Especial Cine
Por Carlos Abeijón
Exclusivo Radio Capital del Sur
Por qué una película centrada prácticamente en dos personajes, con frondosos diálogos, largas tomas de plano secuencia y con el fuera de campo cobrando un protagonismo potente (el foco está en otro lado, no donde estamos mirando) termina por fascinar a cualquier espectador preparado para sumergirse en una introspectiva mirada sobre la condición humana?
Tal vez porque detrás de la cámara hay un creador siempre fiel a su estilo, aunque cambie de lugares y trabaje con actores más conocidos, como el iraní Abbas Kiarostami. Lejos de la melancólica reflexión sobre la muerte de EL SABOR DE LAS CEREZAS y siempre con el deseo de involucrar al espectador, llevándolo por falsos pasadizos, su más reciente opus, COPIA CERTIFICADA, con una estética más occidental, filmada en Italia, con actores europeos, nos plantea la importancia del matrimonio y cómo se pueden modificar los sentimientos de una pareja con el paso del tiempo ¿Seguimos siendo originales en esencia o el transcurrir de la vida nos transforma en meras copias de lo que fuimos. En un brillante juego de la ficción dentro de la ficción (la película tiene el título de un libro que se presenta al comienzo de este precioso relato), siempre hay una realidad que nos es vedada y nos deja con ganas de seguir investigando. Como todo gran creador, Kiarostami no da respuestas, sólo se interroga y nos interroga a través de sus atribuladas criaturas y el final es abierto, comme il faut. Al lado del mesurado actor británico William Shimell, la luminosa Juliette Binoche despliega una infinita gama de recursos actorales. Para ir corriendo al cine. Y claro, frente a semejante gema el resto de los estrenos de la semana empalidecen, aunque hay para todos los gustos.
La compañía Marvel no se rinde y ahora resucita a un héroe del cómics de 1941, en CAPITAN AMERICA: EL PRIMER VENGADOR. Sin demasiada pirotecnia, entretiene y es un cine de acción que no decae, manejada con sentido clásico por el director Joe Johnston. También hay lugar para una comedia familiar pergeñada por los zafados realizadores Glenn Ficarra y John Requa (UNA PAREJA DESPAREJA), quienes en LOCO Y ESTUPIDO AMOR apuestan a un retrato entre generaciones, en forma coral y con cierta acidez. Nada del otro mundo, pero se deja ver con buenos trabajos de Steve Carell,Ryan Gosling y Julianne Moore.
Y el cine argentino también tiene algo que decir en EL FIN DEL POTEMKIN, del cineasta marplatense debutante Misael Bustos. Se trata de un pequeño y nostálgico relato sobre un ser humano que intenta sobrevivir a través de las derrotas y escapando de una realidad política difícil. Buenas intenciones, nada más. De paso, recomendamos para los cinéfilos de siempre, el ciclo dedicado, en la Sala Lugones, al interesante realizador japonés Masahiro Shinoda .
Como decimos siempre: ver cine en el cine.
jueves, 28 de julio de 2011
Temporada Lírica en el Teatro Colón
La temporada lírica del Teatro Colón continúa con la historia de amor de Pelléas et Mélisande
El próximo 9 de agosto, a las 20:30 horas, doce años después de su última presentación en el Teatro Colón, la Opera concebida por Claude Debussy sube al escenario de nuestro primer Coliseo, con la Dirección Musical de Emmanuell Villaume y la Dirección Escénica de Olivia Fuchs.
Las cuatro funciones programadas se llevarán a cabo los días martes 9, viernes 12, martes 16 y miércoles 17 de agosto a las 20.30hs.
La ópera en cinco actos, con libreto de Maurice Maeterlinck y Claude Debussy, está ambientada en el reino imaginario llamado Allemonde y describe el triángulo amoroso entre Pelléas, Mélisande y Golaud, el hermanastro de Pelléas.
Pelléas et Mélisande inauguró una nueva etapa en la historia de la ópera. Con un texto de inmensa poesía que no necesita de la rima y una música vaporosa y sutil, capaz de crear las más variadas atmósferas dan inicio a una historia de amor íntima y apasionada, Pelléas et Mélisande, con música de Claude Debussy, está basada en la pieza teatral homónima de Maurice Maeterlinck.
Claude Debussy es considerado el iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, y sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.
Pelléas et Mélisande, que se había presentado por última vez en 1999 en el Teatro Colón, regresa para revivir esta singular experiencia de la mano de un notable elenco internacional.
Las localidades para el público general estarán a la venta a partir del jueves 4 de agosto en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas. O por internet ingresando a: www.teatrocolon.org.ar
Programa de Pelléas et Mélisande
Dirección musical: Emmanuell Villaume
Dirección de escena: Olivia Fuchs
Diseño de Escenografía y Vestuario: Yannis Thavoris
Coreografía: Claire Whistler
Orquesta Estable del Teatro Colón
Coro Estable del Teatro Colón.
Reparto
Pélleas . . . . . . . . . . . . . . Markus Werba
Mélisande . . . . . . . . . . . . . . Anne Sophie Duprels
Golaud . . . . . . . . . . . . . . Marc Barrard
Arkel . . . . . . . . . . . . . . Kurt Rydl
Yniold . . . . . . . . . . . . . . Fabiola Masino
Geneviève . . . . . . . . . . . . . . Vera Cirkovic
Médico . . . . . . . . . . . . . . Mario De Salvo
Pastor . . . . . . . . . . . . . . Sebastiano De Filippi
El próximo 9 de agosto, a las 20:30 horas, doce años después de su última presentación en el Teatro Colón, la Opera concebida por Claude Debussy sube al escenario de nuestro primer Coliseo, con la Dirección Musical de Emmanuell Villaume y la Dirección Escénica de Olivia Fuchs.
Las cuatro funciones programadas se llevarán a cabo los días martes 9, viernes 12, martes 16 y miércoles 17 de agosto a las 20.30hs.
La ópera en cinco actos, con libreto de Maurice Maeterlinck y Claude Debussy, está ambientada en el reino imaginario llamado Allemonde y describe el triángulo amoroso entre Pelléas, Mélisande y Golaud, el hermanastro de Pelléas.
Pelléas et Mélisande inauguró una nueva etapa en la historia de la ópera. Con un texto de inmensa poesía que no necesita de la rima y una música vaporosa y sutil, capaz de crear las más variadas atmósferas dan inicio a una historia de amor íntima y apasionada, Pelléas et Mélisande, con música de Claude Debussy, está basada en la pieza teatral homónima de Maurice Maeterlinck.
Claude Debussy es considerado el iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, y sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.
Pelléas et Mélisande, que se había presentado por última vez en 1999 en el Teatro Colón, regresa para revivir esta singular experiencia de la mano de un notable elenco internacional.
Las localidades para el público general estarán a la venta a partir del jueves 4 de agosto en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas. O por internet ingresando a: www.teatrocolon.org.ar
Programa de Pelléas et Mélisande
Dirección musical: Emmanuell Villaume
Dirección de escena: Olivia Fuchs
Diseño de Escenografía y Vestuario: Yannis Thavoris
Coreografía: Claire Whistler
Orquesta Estable del Teatro Colón
Coro Estable del Teatro Colón.
Reparto
Pélleas . . . . . . . . . . . . . . Markus Werba
Mélisande . . . . . . . . . . . . . . Anne Sophie Duprels
Golaud . . . . . . . . . . . . . . Marc Barrard
Arkel . . . . . . . . . . . . . . Kurt Rydl
Yniold . . . . . . . . . . . . . . Fabiola Masino
Geneviève . . . . . . . . . . . . . . Vera Cirkovic
Médico . . . . . . . . . . . . . . Mario De Salvo
Pastor . . . . . . . . . . . . . . Sebastiano De Filippi
miércoles, 27 de julio de 2011
Cuadernos del Espectáculos Nro. 21
CUADERNOS DEL ESPECTACULO NRO. 21
Especial Vacaciones de Invierno en Argentina
Por Carlos Abeijón
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Con flamante telón (bastante discreto) y después de haber presentado una prolija versión del ballet LA BELLA DURMIENTE DEL BOSQUE, el Teatro Colón sigue con una temporada lírica de nivel. Acaba de ofrecer, con sorprendente equilibrio en todos los rubros, la ópera romántica de Giuseppe Verdi SIMON BOCCANEGRA, con libreto de Francesco Maria Piave y Giuseppe Montanelli, revisado por Arrigo Boito. Estrenada la versión definitiva en 1881, esta ópera mayor del creador de LA TRAVIATA, AIDA, RIGOLETTO y OTELLO nos conduce, con un libreto ejemplar y con su imponente musicalidad, a Génova y alrededores, a mediados del siglo XIV. Centrándose en la vida, pasión y muerte de Boccanegra, el apasionado corsario que llega a ser Dux de Génova, traza el febril derrotero de un héroe que lucha por el amor y por la unidad de Italia. De concentrada acción dramática y con un personaje de inmensa grandeza, este trabajo verdiano se impone por su partitura iluminada, una precisa marcación de caracteres y el exquisito lenguaje musical caro a uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Junto a la precisa dirección musical de Stefano Ranzani y Carlos Vieu, se destacan la detallista dirección de escena de José María Condemi, el funcional diseño de escenografía de Cameron Anderson, el precioso vestuario, jugado en brillantes tonos pastel, Producción Teatro Colón, con reposición de Eduardo Caldirola, y la creativa iluminación de Roberto Traferri. Y, en medio de un grupo vocal de primera línea, sobresalen Roberto Frontali, Angela Marambio, Gustavo López Manzitti y Konstantin Gorny. Un verdadero placer para los melómanos.
Si seguimos así, con honrosas excepciones, la temporada teatral porteña puede quedar como una de las más magras de los últimos años. A las desafortunadas puestas de TITA, UNA VIDA EN TIEMPO DE TANGO, UN TRANVIA LLAMADO DESEO, LAS ISLAS, OCHO MUJERES, EL AIRE DEL RIO y LOS HIJOS SE HAN DORMIDO, ahora se suma EL BURGUES GENTILHOMBRE, que el Complejo Teatral de Buenos Aires acaba de estrenar en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín. Molière fue un gran conocedor del teatro en todas sus facetas: como dramaturgo, empresario, actor o director. La principal maestría de su estilo, que se impuso en el teatro francés del siglo XVII, es su talento para manejar la caricatura y su ingenio para satirizar las costumbres de la sociedad de su tiempo. Para el la comedia, de neta raigambre popular, está hecha para explicar y hacer reír por sus contenidos y mensajes, tipificar personajes y finalmente llevar al espectador a la reflexión. ¿Dónde quedó todo eso en la superficial y aburrida versión de Willy Landin, director del Centro Experimental del Teatro Colón? Pulverizó caprichosamente la pieza e hizo desaparecer la riqueza del texto. Anteriormente, en el mismo teatro, ya nos había castigado con una versión banal de LAS MUJERES SABIAS. Si Landin no tuviera el loco berretín de lucir modernoso y de jugar caprichosamente con los anacronismos, sus espectáculos obtendrían mejores resultados. Sus atosigantes fruslerías y sus huecas experimentaciones (sólo supo transgredir con ingenio y sabiduría escénica el maestro Alberto Ure) terminan en el tedio y generan fastidio, a pesar de ciertos momentos divertidos y un despliegue de producción inusitado. Se salvan de la catástrofe general, el vestuario, la coreografía y ciertos detalles escenográficos. Y en cuanto al elenco, sólo entraron en el universo de Moliére Lucrecia Capello y Liliana Pécora. En cuanto a Enrique Pinti, que dijo haber soñado con este personaje, mejor ni hablar. Luce opaco, como incómodo en su papel, y no da ni ahí la gracia y la picardía de tan rico personaje. Hay un grave error conceptual al pensar que a los clásicos hay que aggiornarlos a mansalva, porque si no el público pierde interés. Salvando épocas y estilos, habría que aconsejarle al desprejuiciado Willy Landin que corra al Liceo a ver la ejemplar versión de Elena Tritek de EL PRECIO, de Miller, sin cacarear tanto.
La Televisión Pública se renueva y no todo es obsecuencia en el canal estatal. Una verdadera sorpresa resulta el ciclo periodístico EL DEBATE, para terminar el domingo con alguna reflexión. Con la siempre eficaz conducción del Adrián Paenza, el ciclo aborda temas urticantes y promueve, con total respeto por los invitados y el público, la discusión sin condicionamientos y lleva a pensar en la realidad del país. Se pregunta bien y hay ganas de escuchar (algo difícil en estos tiempos de sonido y furia). No hay golpes bajos y ya se han abordado, con total honestidad, temas como el aborto y el de las sustentabilidad de la minería a cielo abierto. Participan Mario César Alderete y Nicolás Gutman. Imperdible. Y por la misma pantalla, pero sin llegar a tanto y entreteniendo con buenos recursos, se puede seguir un dinámico magazine vespertino, con entrevistas y móviles, con la dinámica conducción de Lalo Mir y Carla Conte. Se llama VIVO EN ARGENTINA y va de lunes a viernes, a partir de las 14. Un programa de interés general que informa y divierte con simples recursos. Es bueno que la televisión de aire cambie las ofertas.
Esta información es sólo para cinéfilos y amantes del espectáculo vernáculo. Para los que viajan, acaba de editarse en España (me la acaba de traer un amigo, que sabía que yo la buscaba como si fuera un incunable) la única película que hizo en ese país el reconocido coreógrafo argentino Alfredo Alaria, en 1961. Este importante bailarín saltó de la compañía del mítico Miguel de Molina a los teatros porteños y a recorrer el mundo, triunfando en el Folies Bergère de París y en el Lido. Aquí participó en algunas películas y llevó a escena EL OTRO YO DE MARCELA (también intervino, junto a Delia Garcés en el film del mismo nombre ,de 1950). Alaria (1931-1999) se hizo famoso por sus escándalos y sus sofisticadas coreografías. El film DIFERENTE está considerado como la primera película queer de la historias del cine español y su temática homosexual esquivó a la férrea censura franquista por su estilo onírico y sus bailes que oscilan entre el kitsch y el camp. Todo un desafío para la época y una verdadera curiosidad, dirigida por José María Delgado, que hará las delicias de los amantes de la desmesura. Take it easy.
Cuando se deja de lado, por un rato, la lectura, siempre es bueno buscar refugio en la radio, un espacio eterno para oídos inquietos. Si recalamos en la FM, por ejemplo en la 100, tenemos mañana y tarde para entretenernos. Está el humor zumbón de Roberto Petinatto, la mirada irónica de Lalo Mir y el desenfado de Rony Arias, entre otros conductores para destacar. Hay buenos comentarios, entretenimientos y gran respeto y calidez para manejarse con la audiencia. No es poco en estos tiempos de zafadurías sin límite o exacerbado personalismo. Para tener en cuenta.
La televisión por cable sigue deparando sorpresas fílmicas. En estos días, la señal HBO está presentando, con carácter de estreno, EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS (EE.UU. 2008), una descarnada reflexión sobre los efectos nefastos de la guerra y los extremismos en los más pequeños. La trama, inteligentemente hilvanada (aunque con algunos esquematismos)por el director Mark Herman, se centra en una base militar, cercana a un campo de concentración, durante la Segunda Guerra Mundial, en pleno auge del nazismo. Allí se traslada una familia con dos hijos, cuyo padre es un comandante de las SS. El pequeño Bruno, de apenas ocho años, empieza a descubrir la verdad cuando se hace amigo de un niño judío confinado, como otros tantos condenados, en un cruel destierro cercano al lugar donde vive la familia. La unión de los chicos tendrá terribles consecuencias y el film se cierra con una de las secuencias más terribles y desoladoras de la historia del cine. Con magníficos intérpretes -David Thewlis, Vera Fumiga y Asa Butterfield- la cinta se yergue en una siempre bienvenida reflexión sobre los excesos ideológicos y la indignidad a la que puede llegar el hombre. Para tener en cuenta, sin hesitaciones.
En una época en que la dramaturgia nacional no es muy sólida, siempre es bueno volver a autores de enjundia, cuyas piezas ya son pequeños clásicos. Es el caso del autor, docente y director Mauricio Kartun, uno de los talentos más destacados de las últimas décadas, con una solidez conceptual y una aguda reflexión sobre la realidad argentina que se destaca netamente en la escena vernácula. Responsable de EL PARTENER, CUMBIA MORENA CUMBIA y LA MADONNITA, entre otros recordados títulos, llega a la cumbre de su talento con EL NIÑO ARGENTINO y ALA DE CRIADOS. Esta última joyita, que todavía se puede disfrutar en el Teatro del Pueblo, es una referencia insoslayable para todo amante del teatro, estudioso del lenguaje y curioso del buceo histórico con personajes y situaciones que ahondan en nuestra cultura. Un creador para seguirle el rastro.
Especial Vacaciones de Invierno en Argentina
Por Carlos Abeijón
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Con flamante telón (bastante discreto) y después de haber presentado una prolija versión del ballet LA BELLA DURMIENTE DEL BOSQUE, el Teatro Colón sigue con una temporada lírica de nivel. Acaba de ofrecer, con sorprendente equilibrio en todos los rubros, la ópera romántica de Giuseppe Verdi SIMON BOCCANEGRA, con libreto de Francesco Maria Piave y Giuseppe Montanelli, revisado por Arrigo Boito. Estrenada la versión definitiva en 1881, esta ópera mayor del creador de LA TRAVIATA, AIDA, RIGOLETTO y OTELLO nos conduce, con un libreto ejemplar y con su imponente musicalidad, a Génova y alrededores, a mediados del siglo XIV. Centrándose en la vida, pasión y muerte de Boccanegra, el apasionado corsario que llega a ser Dux de Génova, traza el febril derrotero de un héroe que lucha por el amor y por la unidad de Italia. De concentrada acción dramática y con un personaje de inmensa grandeza, este trabajo verdiano se impone por su partitura iluminada, una precisa marcación de caracteres y el exquisito lenguaje musical caro a uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Junto a la precisa dirección musical de Stefano Ranzani y Carlos Vieu, se destacan la detallista dirección de escena de José María Condemi, el funcional diseño de escenografía de Cameron Anderson, el precioso vestuario, jugado en brillantes tonos pastel, Producción Teatro Colón, con reposición de Eduardo Caldirola, y la creativa iluminación de Roberto Traferri. Y, en medio de un grupo vocal de primera línea, sobresalen Roberto Frontali, Angela Marambio, Gustavo López Manzitti y Konstantin Gorny. Un verdadero placer para los melómanos.
Si seguimos así, con honrosas excepciones, la temporada teatral porteña puede quedar como una de las más magras de los últimos años. A las desafortunadas puestas de TITA, UNA VIDA EN TIEMPO DE TANGO, UN TRANVIA LLAMADO DESEO, LAS ISLAS, OCHO MUJERES, EL AIRE DEL RIO y LOS HIJOS SE HAN DORMIDO, ahora se suma EL BURGUES GENTILHOMBRE, que el Complejo Teatral de Buenos Aires acaba de estrenar en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín. Molière fue un gran conocedor del teatro en todas sus facetas: como dramaturgo, empresario, actor o director. La principal maestría de su estilo, que se impuso en el teatro francés del siglo XVII, es su talento para manejar la caricatura y su ingenio para satirizar las costumbres de la sociedad de su tiempo. Para el la comedia, de neta raigambre popular, está hecha para explicar y hacer reír por sus contenidos y mensajes, tipificar personajes y finalmente llevar al espectador a la reflexión. ¿Dónde quedó todo eso en la superficial y aburrida versión de Willy Landin, director del Centro Experimental del Teatro Colón? Pulverizó caprichosamente la pieza e hizo desaparecer la riqueza del texto. Anteriormente, en el mismo teatro, ya nos había castigado con una versión banal de LAS MUJERES SABIAS. Si Landin no tuviera el loco berretín de lucir modernoso y de jugar caprichosamente con los anacronismos, sus espectáculos obtendrían mejores resultados. Sus atosigantes fruslerías y sus huecas experimentaciones (sólo supo transgredir con ingenio y sabiduría escénica el maestro Alberto Ure) terminan en el tedio y generan fastidio, a pesar de ciertos momentos divertidos y un despliegue de producción inusitado. Se salvan de la catástrofe general, el vestuario, la coreografía y ciertos detalles escenográficos. Y en cuanto al elenco, sólo entraron en el universo de Moliére Lucrecia Capello y Liliana Pécora. En cuanto a Enrique Pinti, que dijo haber soñado con este personaje, mejor ni hablar. Luce opaco, como incómodo en su papel, y no da ni ahí la gracia y la picardía de tan rico personaje. Hay un grave error conceptual al pensar que a los clásicos hay que aggiornarlos a mansalva, porque si no el público pierde interés. Salvando épocas y estilos, habría que aconsejarle al desprejuiciado Willy Landin que corra al Liceo a ver la ejemplar versión de Elena Tritek de EL PRECIO, de Miller, sin cacarear tanto.
La Televisión Pública se renueva y no todo es obsecuencia en el canal estatal. Una verdadera sorpresa resulta el ciclo periodístico EL DEBATE, para terminar el domingo con alguna reflexión. Con la siempre eficaz conducción del Adrián Paenza, el ciclo aborda temas urticantes y promueve, con total respeto por los invitados y el público, la discusión sin condicionamientos y lleva a pensar en la realidad del país. Se pregunta bien y hay ganas de escuchar (algo difícil en estos tiempos de sonido y furia). No hay golpes bajos y ya se han abordado, con total honestidad, temas como el aborto y el de las sustentabilidad de la minería a cielo abierto. Participan Mario César Alderete y Nicolás Gutman. Imperdible. Y por la misma pantalla, pero sin llegar a tanto y entreteniendo con buenos recursos, se puede seguir un dinámico magazine vespertino, con entrevistas y móviles, con la dinámica conducción de Lalo Mir y Carla Conte. Se llama VIVO EN ARGENTINA y va de lunes a viernes, a partir de las 14. Un programa de interés general que informa y divierte con simples recursos. Es bueno que la televisión de aire cambie las ofertas.
Esta información es sólo para cinéfilos y amantes del espectáculo vernáculo. Para los que viajan, acaba de editarse en España (me la acaba de traer un amigo, que sabía que yo la buscaba como si fuera un incunable) la única película que hizo en ese país el reconocido coreógrafo argentino Alfredo Alaria, en 1961. Este importante bailarín saltó de la compañía del mítico Miguel de Molina a los teatros porteños y a recorrer el mundo, triunfando en el Folies Bergère de París y en el Lido. Aquí participó en algunas películas y llevó a escena EL OTRO YO DE MARCELA (también intervino, junto a Delia Garcés en el film del mismo nombre ,de 1950). Alaria (1931-1999) se hizo famoso por sus escándalos y sus sofisticadas coreografías. El film DIFERENTE está considerado como la primera película queer de la historias del cine español y su temática homosexual esquivó a la férrea censura franquista por su estilo onírico y sus bailes que oscilan entre el kitsch y el camp. Todo un desafío para la época y una verdadera curiosidad, dirigida por José María Delgado, que hará las delicias de los amantes de la desmesura. Take it easy.
Cuando se deja de lado, por un rato, la lectura, siempre es bueno buscar refugio en la radio, un espacio eterno para oídos inquietos. Si recalamos en la FM, por ejemplo en la 100, tenemos mañana y tarde para entretenernos. Está el humor zumbón de Roberto Petinatto, la mirada irónica de Lalo Mir y el desenfado de Rony Arias, entre otros conductores para destacar. Hay buenos comentarios, entretenimientos y gran respeto y calidez para manejarse con la audiencia. No es poco en estos tiempos de zafadurías sin límite o exacerbado personalismo. Para tener en cuenta.
La televisión por cable sigue deparando sorpresas fílmicas. En estos días, la señal HBO está presentando, con carácter de estreno, EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS (EE.UU. 2008), una descarnada reflexión sobre los efectos nefastos de la guerra y los extremismos en los más pequeños. La trama, inteligentemente hilvanada (aunque con algunos esquematismos)por el director Mark Herman, se centra en una base militar, cercana a un campo de concentración, durante la Segunda Guerra Mundial, en pleno auge del nazismo. Allí se traslada una familia con dos hijos, cuyo padre es un comandante de las SS. El pequeño Bruno, de apenas ocho años, empieza a descubrir la verdad cuando se hace amigo de un niño judío confinado, como otros tantos condenados, en un cruel destierro cercano al lugar donde vive la familia. La unión de los chicos tendrá terribles consecuencias y el film se cierra con una de las secuencias más terribles y desoladoras de la historia del cine. Con magníficos intérpretes -David Thewlis, Vera Fumiga y Asa Butterfield- la cinta se yergue en una siempre bienvenida reflexión sobre los excesos ideológicos y la indignidad a la que puede llegar el hombre. Para tener en cuenta, sin hesitaciones.
En una época en que la dramaturgia nacional no es muy sólida, siempre es bueno volver a autores de enjundia, cuyas piezas ya son pequeños clásicos. Es el caso del autor, docente y director Mauricio Kartun, uno de los talentos más destacados de las últimas décadas, con una solidez conceptual y una aguda reflexión sobre la realidad argentina que se destaca netamente en la escena vernácula. Responsable de EL PARTENER, CUMBIA MORENA CUMBIA y LA MADONNITA, entre otros recordados títulos, llega a la cumbre de su talento con EL NIÑO ARGENTINO y ALA DE CRIADOS. Esta última joyita, que todavía se puede disfrutar en el Teatro del Pueblo, es una referencia insoslayable para todo amante del teatro, estudioso del lenguaje y curioso del buceo histórico con personajes y situaciones que ahondan en nuestra cultura. Un creador para seguirle el rastro.
jueves, 21 de julio de 2011
Cuadernos del Espectáculo Nro. 20
Cuadernos del Espectáculo Nro. 20
Edición Especial/Vacaciones de Invierno en Argentina
Por Carlos Abeijón
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Resulta increíble la total impunidad con la que el sobrevalorado teatrista Daniel Veronese destruye textos clásicos, de distintas épocas y estilos. Ya sufrimos sus bochornosas adaptaciones de LOS REYES DE LA RISA y UN TRANVIA LLAMADO DESEO y ahora hace añicos a Anton Chejov, uno de los grandes dramaturgos de la historia del teatro. LOS HIJOS SE HAN DORMIDO (¿quién entiende ese título?), su malhadada versión de LA GAVIOTA, resulta intolerable y no se entiende que se haya estrenado en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín ¿Dónde quedó la sutil penetración psicológica y la aguda reflexión sobre la vida y el arte que propone en esta pieza mayor el autor de TIO VANIA, TRES HERMANAS y EL JARDIN DE LOS CEREZOS? La caprichosa y superficial visión del director es tan banal e irrespetuosa que provoca estupor en los amantes del teatro. En medio del desastre, un soberbio grupo de actores (ya antes de comenzar el espectáculo, se los ve a algunos a telón abierto, en estado descontracturado, y ya uno se puede imaginar lo que se avecina) se desplaza por una horrible escenografía de Alberto Negrín, con una marcación errática, vociferando y moviéndose sin ton ni son. La única que se salva del naufragio es la intensa María Figueras. Y aún en los momentos en que se logra cierto clima intimista el responsable de esta puesta desafortunada rompe el efecto con golpes de humor ramplón (ecos de la nefasta incidencia de Tinelli en todos los ámbitos de la cultura) Una lástima. Esperemos que algún historiador de teatro se acerque a Veronese y le recuerde la maravillosa puesta que el maestro Augusto Fernandes llevó a cabo, en 1996, en el mismo teatro, y, de paso, que le aconseje volver al off donde el suele moverse como pez en el agua. Finalmente, debería seguir el ejemplo de Claudio Tolcachir o Javier Daulte, que van del teatro alternativo al comercial con total respeto y talento para abordar el arte escénico.
¿La vida es sueño? Calderón de la Barca lo afirmaría ¿Soñamos o somos parte de un sueño soñado por otro? Bueno, ya sería como perdernos en el jardín de los senderos que se bifurcan según Borges. Sin llegar tan lejos, pero jugando alegremente con la fantasía, Joseph Haydn le puso música a un inspirado libreto de Carlo Goldoni y compuso el dramma giocoso IL MONDO DELLA LUNA, que Buenos Aires Lírica (apostando siempre a talentos nacionales) acaba de presentar en el Teatro Avenida. Esta ópera bufa, en tres actos, se estrenó en 1777 y conserva toda la frescura de una comedia de situación, que oscila permanentemente entre la realidad y la ficción (se proyecta una deliciosa escena del VIAJE A LA LUNA, de Georges Méliès), gracias a la imaginativa puesta del joven regisseur Pablo Maritano. Más allá de ciertas reiteraciones y arbitrariedades, la ópera se disfruta por la potente musicalidad de Haydn, servida por la vehemente y precisa dirección musical de Rodolfo Fischer. Excelente la escenografía de Andrea Mercado y muy apropiado el vestuario de Sofía Di Nunzio. Si bien el nivel de voces es bastante parejo, se destaca el elenco femenino y, sobre todo una sorprendente (en canto y actuación) Rocío Arbizu en el divertidísimo rol de Lisetta. Una oferta atractiva, para tener en cuenta.
Parece mentira, pero todavía la televisión de aire suele deparar alguna grata sorpresa. Tratando de frenar el avance de EL TRECE, Telefé acaba de presentar el primer capítulo de EL HOMBRE DE TU VIDA, un esperado unitario, que cuenta con libro -en colaboración con Marcela Guerty- y dirección del oscarizado Juan José Campanella (EL SECRETO DE SUS OJOS, entre otros logros cinematográficos). La historia, protagonizada por el camaleónico Guillermo Francella (lo bueno es que no se encasilló y asume zonas de riesgo) es muy simple y hasta tiene algún punto de contacto con la malograda SR. Y SRA. CAMAS: un atribulado hombre de barrio que está separado y educa solo a su hijo adolescente, se acaba de separar y no sabe qué hacer de su vida; una prima -siempre eficaz Mercedes Morán- le ofrece trabajar en su agencia para solos y solas. De ahí en más se crearán situaciones inesperadas, con un cierre para cada capítulo. El encuentro inicial estuvo muy bien jugado por Francella y la siempre bienvenida a la tevé, la talentosa Virginia Innocenti (debería reestrenar, en el teatro, DIJERON DE MI, su cálido homenaje a la Merello, después del zafarrancho de Nacha) y con precisa dirección de Campanella, que no estaba en la tele después de presentar la miniserie VIENTOS DE AGUA. La participación de Luis Brandoni, como un cura campechano no supera la corrección. En suma: un programa que promete mucho y que resulta grato para un domingo a la noche, después de escuchar las risotadas y los jueguitos tontos de Marley en Minuto para ganar. Y pasando al TRECE, los amantes de lo bizarro ya no pueden creer lo que pasa en SHOWMATCH. No se sabe si para mantener el rating en alza o es que finalmente tiró la chancleta, los jugueteos homoeróticos entre Tinelli y Tito, el ex guardaespaldas de innombrable nouveaux riche rozan lo escandaloso. La pantalla chica da para todo.
En la entrada del Teatro del Globo, ya lo mencionamos alguna vez, hay un sótano donde reina el café concert. Con precios razonables y música de todos los géneros, se puede disfrutar de una velada de lo más agradable, gracias a los oficios de la bella anfitriona: la dúctil Edith Margulis. Regentea el lugar, cocina, canta, actúa y está hasta en los más mínimos detalles, con su calidez habitual. Como todos los años, acaba de presentar, con invitados, su fino homenaje a Francia, conmemorando el 14 de julio. Además, todavía está en cartel, en su cuarta temporada y con muchos premios la inolvidable CENA DE LEONARDO DA VINCI. También los sábados, la talentosa Marikena Monti sigue ofreciendo su atractivo show y, como si esto fuera poco, Margulis y su troupe preparan, para agosto, un recorrido por el cabaret alemán de entreguerras. Para ir agendando.
Y volviendo a nuestra bendita tevé, esta vez a la señal de cable Magazine, los miércoles a las 22hs, nos habíamos olvidado del regreso al medio de la inenarrable. Sí, todos y todas, ya pueden seguir asombrándose con la cariátide del fin del mundo, en ESTA NOCHE CON MORIA. Hablamos de la incansable Casán, of course, una mumy eterna que se pasea con su estudio móvil por la ciudad y entrevista a políticos, deportistas y gente del espectáculo. Además recurre a personajes remanidos: Rita Turdero y Nylon. La entrevista con su hija, Sofía Gala por lo menos fue divertida. Para decadentes sin remedio.
Mientras dejo de lado, por un rato, la densidad narrativa de Umberto Eco, en el demasiado minucioso EL CEMENTERIO DE PRAGA, trato de digerir la bronca que me produce no poder ir a ver y escuchar el magnífico dúo que componen Susana Rinaldi y Leopoldo Federico, en Clásica y Moderna (parece que a los encargados de este recinto y en especial a su jefa de prensa no les interesa el jurado de ACE; en verdad, tendrían que aprender de la buena onda y el respeto de La Bioblioteca Café), me deleito con una nueva lectura. Se trata de LA ESTRUCTURA SUBVERSIVA DE LA COMEDIA. ANALISIS DE LOS COMPONENTES FORMALES DEL GENERO CINEMATOGRAFICO PRE-INSTITUCIONAL (1902-1916), un riguroso trabajo de investigación llevado a cabo por Juan Alfonso Samaja e Ingrid Bardi. ¿Por qué ciertas historias nos provocan risa? ¿Hay algún diseño específico para las formas cómicas? Rastreando a Freud y otros notables autores, los responsables de este interesante trabajo-atractivo no sólo para los que se dedican a hacer reír sino para toda persona que intente indagar en el género, aún por mera curiosidad-reflexionan sobre diversos ítems tomando como caso particular al género de la comedia en el cine, en el período citado anteriormente, en Francia, en Inglaterra y en los Estados Unidos. Un rico material, editado por el Centro de Estudios sobre Cinematografía, que no va a dejar indiferente a nadie.
El cable sigue brindando muy gratas sorpresas cinematográficas. La señal MAX, que ya destacamos varias veces, acaba de presentar, sin pasar por los cines, uno de los últimos trabajos de la actriz y cineasta alemana Margarethe von Trotta (LAS HERMANAS ALEMANAS). En esta oportunidad, la interesante realizadora propone situarse, en VISION: LA VIDA DE HILDEGARD VON VINGEN, a comienzos del primer milenio, en un riguroso monasterio de monjas de clausura. En medio de austeros paisajes germánicos, la abadesa, la intensa Barbara Sucowa (inolvidable en LOLA, de Fassbinder), tocada por la gracia divina y con una fe inquebrantable, trata de imponer sus derechos en medio de la estrechez mental de los hombres y las atribuladas monjas que la secundan. Lo que atrapa desde el principio al fin, además de un riguroso lenguaje cinematográfico, es como la directora ahonda en la época y en la pasión de sus criaturas y como expone, con crudeza las aristas más miserables de la condición humana, aún en un lugar espiritual y lejos del mundanal ruido. Inquietante mirada femenina, especial para espíritus abiertos.
En materia cinematográfica, la semana no aportó nada digno de destacar. A pesar de la coincidencia en cartelera de dos grandes del género de terror, John Carpenter y George A. Romero, sus flamantes títulos dejan bastante que desear. El primero, responsable de las recordadas ASALTO AL PRECINTO 13, HALLOWEEN y LA NIEBLA, no consigue nada realmente personal con el denso material que propone en ATRAPADA, un más que discreto thriller psicológico, sobre atribuladas jóvenes encerradas en un neuropsiquiátrico, en los años 60, en un pueblo de Oregon, en Estados Unidos. Demasiados excesos de tratamientos agresivos en un guión que se empantana en recursos previsibles. Tampoco Romero (famoso por LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVOS) sale bien parado con su remanido regreso a la tierra de los zombies, en LA REENCARNACION DE LOS MUERTOS. Pocas ideas para un reiterativo festín sangriento. Y siguiendo con sus aportes para que disfrute la gente menuda, el cine nacional presentó LAS AVENTURAS DE NAHUEL, con dirección, idea y guión de Alejandro Malowicki, un director especializado en este tipo de propuestas, que reúne títeres y dibujos en una nada más que simpática historia con tiernos personajes. Es digno de destacar que los logros técnicos mejoran en nuestro cine. Para terminar, otra para los chicos, la norteamericana LOS PINGUINOS DE PAPA, con el hiperkinético Jim Carrey, esta vez volviendo a sus muecas habituales y perseguido por unas mascotas en misión redentora. Mark Water dirige con oficio y en el elenco brilla la eterna Angela Lansbury. And so on...
Edición Especial/Vacaciones de Invierno en Argentina
Por Carlos Abeijón
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Resulta increíble la total impunidad con la que el sobrevalorado teatrista Daniel Veronese destruye textos clásicos, de distintas épocas y estilos. Ya sufrimos sus bochornosas adaptaciones de LOS REYES DE LA RISA y UN TRANVIA LLAMADO DESEO y ahora hace añicos a Anton Chejov, uno de los grandes dramaturgos de la historia del teatro. LOS HIJOS SE HAN DORMIDO (¿quién entiende ese título?), su malhadada versión de LA GAVIOTA, resulta intolerable y no se entiende que se haya estrenado en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín ¿Dónde quedó la sutil penetración psicológica y la aguda reflexión sobre la vida y el arte que propone en esta pieza mayor el autor de TIO VANIA, TRES HERMANAS y EL JARDIN DE LOS CEREZOS? La caprichosa y superficial visión del director es tan banal e irrespetuosa que provoca estupor en los amantes del teatro. En medio del desastre, un soberbio grupo de actores (ya antes de comenzar el espectáculo, se los ve a algunos a telón abierto, en estado descontracturado, y ya uno se puede imaginar lo que se avecina) se desplaza por una horrible escenografía de Alberto Negrín, con una marcación errática, vociferando y moviéndose sin ton ni son. La única que se salva del naufragio es la intensa María Figueras. Y aún en los momentos en que se logra cierto clima intimista el responsable de esta puesta desafortunada rompe el efecto con golpes de humor ramplón (ecos de la nefasta incidencia de Tinelli en todos los ámbitos de la cultura) Una lástima. Esperemos que algún historiador de teatro se acerque a Veronese y le recuerde la maravillosa puesta que el maestro Augusto Fernandes llevó a cabo, en 1996, en el mismo teatro, y, de paso, que le aconseje volver al off donde el suele moverse como pez en el agua. Finalmente, debería seguir el ejemplo de Claudio Tolcachir o Javier Daulte, que van del teatro alternativo al comercial con total respeto y talento para abordar el arte escénico.
¿La vida es sueño? Calderón de la Barca lo afirmaría ¿Soñamos o somos parte de un sueño soñado por otro? Bueno, ya sería como perdernos en el jardín de los senderos que se bifurcan según Borges. Sin llegar tan lejos, pero jugando alegremente con la fantasía, Joseph Haydn le puso música a un inspirado libreto de Carlo Goldoni y compuso el dramma giocoso IL MONDO DELLA LUNA, que Buenos Aires Lírica (apostando siempre a talentos nacionales) acaba de presentar en el Teatro Avenida. Esta ópera bufa, en tres actos, se estrenó en 1777 y conserva toda la frescura de una comedia de situación, que oscila permanentemente entre la realidad y la ficción (se proyecta una deliciosa escena del VIAJE A LA LUNA, de Georges Méliès), gracias a la imaginativa puesta del joven regisseur Pablo Maritano. Más allá de ciertas reiteraciones y arbitrariedades, la ópera se disfruta por la potente musicalidad de Haydn, servida por la vehemente y precisa dirección musical de Rodolfo Fischer. Excelente la escenografía de Andrea Mercado y muy apropiado el vestuario de Sofía Di Nunzio. Si bien el nivel de voces es bastante parejo, se destaca el elenco femenino y, sobre todo una sorprendente (en canto y actuación) Rocío Arbizu en el divertidísimo rol de Lisetta. Una oferta atractiva, para tener en cuenta.
Parece mentira, pero todavía la televisión de aire suele deparar alguna grata sorpresa. Tratando de frenar el avance de EL TRECE, Telefé acaba de presentar el primer capítulo de EL HOMBRE DE TU VIDA, un esperado unitario, que cuenta con libro -en colaboración con Marcela Guerty- y dirección del oscarizado Juan José Campanella (EL SECRETO DE SUS OJOS, entre otros logros cinematográficos). La historia, protagonizada por el camaleónico Guillermo Francella (lo bueno es que no se encasilló y asume zonas de riesgo) es muy simple y hasta tiene algún punto de contacto con la malograda SR. Y SRA. CAMAS: un atribulado hombre de barrio que está separado y educa solo a su hijo adolescente, se acaba de separar y no sabe qué hacer de su vida; una prima -siempre eficaz Mercedes Morán- le ofrece trabajar en su agencia para solos y solas. De ahí en más se crearán situaciones inesperadas, con un cierre para cada capítulo. El encuentro inicial estuvo muy bien jugado por Francella y la siempre bienvenida a la tevé, la talentosa Virginia Innocenti (debería reestrenar, en el teatro, DIJERON DE MI, su cálido homenaje a la Merello, después del zafarrancho de Nacha) y con precisa dirección de Campanella, que no estaba en la tele después de presentar la miniserie VIENTOS DE AGUA. La participación de Luis Brandoni, como un cura campechano no supera la corrección. En suma: un programa que promete mucho y que resulta grato para un domingo a la noche, después de escuchar las risotadas y los jueguitos tontos de Marley en Minuto para ganar. Y pasando al TRECE, los amantes de lo bizarro ya no pueden creer lo que pasa en SHOWMATCH. No se sabe si para mantener el rating en alza o es que finalmente tiró la chancleta, los jugueteos homoeróticos entre Tinelli y Tito, el ex guardaespaldas de innombrable nouveaux riche rozan lo escandaloso. La pantalla chica da para todo.
En la entrada del Teatro del Globo, ya lo mencionamos alguna vez, hay un sótano donde reina el café concert. Con precios razonables y música de todos los géneros, se puede disfrutar de una velada de lo más agradable, gracias a los oficios de la bella anfitriona: la dúctil Edith Margulis. Regentea el lugar, cocina, canta, actúa y está hasta en los más mínimos detalles, con su calidez habitual. Como todos los años, acaba de presentar, con invitados, su fino homenaje a Francia, conmemorando el 14 de julio. Además, todavía está en cartel, en su cuarta temporada y con muchos premios la inolvidable CENA DE LEONARDO DA VINCI. También los sábados, la talentosa Marikena Monti sigue ofreciendo su atractivo show y, como si esto fuera poco, Margulis y su troupe preparan, para agosto, un recorrido por el cabaret alemán de entreguerras. Para ir agendando.
Y volviendo a nuestra bendita tevé, esta vez a la señal de cable Magazine, los miércoles a las 22hs, nos habíamos olvidado del regreso al medio de la inenarrable. Sí, todos y todas, ya pueden seguir asombrándose con la cariátide del fin del mundo, en ESTA NOCHE CON MORIA. Hablamos de la incansable Casán, of course, una mumy eterna que se pasea con su estudio móvil por la ciudad y entrevista a políticos, deportistas y gente del espectáculo. Además recurre a personajes remanidos: Rita Turdero y Nylon. La entrevista con su hija, Sofía Gala por lo menos fue divertida. Para decadentes sin remedio.
Mientras dejo de lado, por un rato, la densidad narrativa de Umberto Eco, en el demasiado minucioso EL CEMENTERIO DE PRAGA, trato de digerir la bronca que me produce no poder ir a ver y escuchar el magnífico dúo que componen Susana Rinaldi y Leopoldo Federico, en Clásica y Moderna (parece que a los encargados de este recinto y en especial a su jefa de prensa no les interesa el jurado de ACE; en verdad, tendrían que aprender de la buena onda y el respeto de La Bioblioteca Café), me deleito con una nueva lectura. Se trata de LA ESTRUCTURA SUBVERSIVA DE LA COMEDIA. ANALISIS DE LOS COMPONENTES FORMALES DEL GENERO CINEMATOGRAFICO PRE-INSTITUCIONAL (1902-1916), un riguroso trabajo de investigación llevado a cabo por Juan Alfonso Samaja e Ingrid Bardi. ¿Por qué ciertas historias nos provocan risa? ¿Hay algún diseño específico para las formas cómicas? Rastreando a Freud y otros notables autores, los responsables de este interesante trabajo-atractivo no sólo para los que se dedican a hacer reír sino para toda persona que intente indagar en el género, aún por mera curiosidad-reflexionan sobre diversos ítems tomando como caso particular al género de la comedia en el cine, en el período citado anteriormente, en Francia, en Inglaterra y en los Estados Unidos. Un rico material, editado por el Centro de Estudios sobre Cinematografía, que no va a dejar indiferente a nadie.
El cable sigue brindando muy gratas sorpresas cinematográficas. La señal MAX, que ya destacamos varias veces, acaba de presentar, sin pasar por los cines, uno de los últimos trabajos de la actriz y cineasta alemana Margarethe von Trotta (LAS HERMANAS ALEMANAS). En esta oportunidad, la interesante realizadora propone situarse, en VISION: LA VIDA DE HILDEGARD VON VINGEN, a comienzos del primer milenio, en un riguroso monasterio de monjas de clausura. En medio de austeros paisajes germánicos, la abadesa, la intensa Barbara Sucowa (inolvidable en LOLA, de Fassbinder), tocada por la gracia divina y con una fe inquebrantable, trata de imponer sus derechos en medio de la estrechez mental de los hombres y las atribuladas monjas que la secundan. Lo que atrapa desde el principio al fin, además de un riguroso lenguaje cinematográfico, es como la directora ahonda en la época y en la pasión de sus criaturas y como expone, con crudeza las aristas más miserables de la condición humana, aún en un lugar espiritual y lejos del mundanal ruido. Inquietante mirada femenina, especial para espíritus abiertos.
En materia cinematográfica, la semana no aportó nada digno de destacar. A pesar de la coincidencia en cartelera de dos grandes del género de terror, John Carpenter y George A. Romero, sus flamantes títulos dejan bastante que desear. El primero, responsable de las recordadas ASALTO AL PRECINTO 13, HALLOWEEN y LA NIEBLA, no consigue nada realmente personal con el denso material que propone en ATRAPADA, un más que discreto thriller psicológico, sobre atribuladas jóvenes encerradas en un neuropsiquiátrico, en los años 60, en un pueblo de Oregon, en Estados Unidos. Demasiados excesos de tratamientos agresivos en un guión que se empantana en recursos previsibles. Tampoco Romero (famoso por LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVOS) sale bien parado con su remanido regreso a la tierra de los zombies, en LA REENCARNACION DE LOS MUERTOS. Pocas ideas para un reiterativo festín sangriento. Y siguiendo con sus aportes para que disfrute la gente menuda, el cine nacional presentó LAS AVENTURAS DE NAHUEL, con dirección, idea y guión de Alejandro Malowicki, un director especializado en este tipo de propuestas, que reúne títeres y dibujos en una nada más que simpática historia con tiernos personajes. Es digno de destacar que los logros técnicos mejoran en nuestro cine. Para terminar, otra para los chicos, la norteamericana LOS PINGUINOS DE PAPA, con el hiperkinético Jim Carrey, esta vez volviendo a sus muecas habituales y perseguido por unas mascotas en misión redentora. Mark Water dirige con oficio y en el elenco brilla la eterna Angela Lansbury. And so on...
martes, 19 de julio de 2011
TEATRO COLON
Jueves 21 de julio. 20:30 horas.
Orquesta Filarmónica de Buenos Aires
Con un programa que incluye obras de Mozart, Paganini y Mahler, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires ofrecerá el sexto de los diecinueve conciertos de su ciclo 2011.
Estará dirigida por el maestro Enrique Arturo Diemecke y contará con la actuación del violinista Xavier Inchausti como solista y la soprano Carla Filipcic Holm.
Localidades desde $20
Orquesta Filarmónica de Buenos Aires
Con un programa que incluye obras de Mozart, Paganini y Mahler, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires ofrecerá el sexto de los diecinueve conciertos de su ciclo 2011.
Estará dirigida por el maestro Enrique Arturo Diemecke y contará con la actuación del violinista Xavier Inchausti como solista y la soprano Carla Filipcic Holm.
Localidades desde $20
Teatro Colón
SE PRESENTA EL VIOLINISTA VADIM GLUZMAN JUNTO A
LA FILARMÓNICA DE BUENOS AIRES
Interpretará Serenata de Leonard Bernstein dirigido por Enrique Arturo Diemecke,
en un programa que incluye la Sinfonía Nº 7 de Bruckner.
El jueves 28 de julio a las 20.30, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires efectuará el séptimo concierto de su temporada 2011 en el Teatro Colón. Contará con la dirección de su titular el maestro Enrique Arturo Diemecke y se presentará como solista el destacado violinista ucraniano-israelí Vadim Gluzman. Las obras que conforman el programa son la Serenata (a partir del Simposio de Platón), para violín, cuerdas, arpa y percusión, de Leonard Bernstein (1918-1990) y la Sinfonía Nº 7 de Anton Bruckner (1824-1896).
La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires ha sido distinguida con el Premio a la Mejor orquesta sinfónica local de 2008, otorgado por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina, y obtuvo dos Premios Konex de Platino como la mejor orquesta argentina de las últimas dos décadas, en 1999 y en 2009.
El maestro mexicano Enrique Arturo Diemecke es director musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires desde diciembre de 2007. Este año cumplió 21 años como director artístico de la Orquesta Sinfónica de Flint, diez como director artístico de la Sinfónica de Long Beach y asumió como director artístico de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Colombia. Durante 17 años fue director artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de México y recibió la Medalla de Oro del Instituto Nacional de Bellas Artes de México por su trayectoria artística. Fue galardonado en 2010 con el Grand Prix de l'Académie du Disque Lyrique, Francia.
Leonard Bernstein compuso la Serenata (1954), para violín, cuerdas, arpa y percusión, inspirado en el Simposio de Platón, donde los invitados reflexionan sobre la naturaleza del amor, sobre su ambigüedad y trascendencia, y sobre la radical necesidad de su triunfo. Si bien no existe un enfoque programático, Bernstein captura la esencia emocional del argumento de cada orador y la dinámica de sus
amistades entrelazadas, obteniendo también un modelo para relacionar los cinco movimientos de la obra a través de un proceso de variación constante.
Nacido en 1973, el violinista Vadim Gluzman es elogiado por la crítica y el público como ejecutante de gran profundidad artística y brillante técnica. En los inicios de su carrera contó con el estímulo de Isaac Stern. Galardonado en prestigiosos concursos internacionales, como el Tibor Varga, en 1994 recibió el Henryk Szeryng Foundation Career Award. Ha actuado en todo el mundo como solista y en dúo con su esposa, la pianista Angela Yoffe. Toca con un Stradivarius de 1690 proporcionado por la Sociedad Stradivari de Chicago y que perteneció a Leopold Auer.
Anton Bruckner escribió sus sinfonías casi sin interrupción; de hecho, inició la Sinfonía Nº 7 en septiembre de 1881, a los pocos días de concluir la Sexta. Con el estreno realizado por el gran director Arthur Nikisch en 1884, Bruckner obtuvo recién a los 60 años el reconocimiento que tanto había anhelado. Lo notable de esta composición es la osadía que tiene en los cambios temáticos y tonales, producidos sobre una evidente estructura. Profundo admirador de Wagner, mientras componía el segundo movimiento se enteró de su muerte y, a manera de homenaje, agregó cuatro tubas wagnerianas.
Las localidades para el público en general se encuentran a la venta a en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 10.00 a 20.00 y los domingos de 10.00 a 17.00. O por Internet ingresando a www.teatrocolon.org.ar
Localidades desde $20.
LA FILARMÓNICA DE BUENOS AIRES
Interpretará Serenata de Leonard Bernstein dirigido por Enrique Arturo Diemecke,
en un programa que incluye la Sinfonía Nº 7 de Bruckner.
El jueves 28 de julio a las 20.30, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires efectuará el séptimo concierto de su temporada 2011 en el Teatro Colón. Contará con la dirección de su titular el maestro Enrique Arturo Diemecke y se presentará como solista el destacado violinista ucraniano-israelí Vadim Gluzman. Las obras que conforman el programa son la Serenata (a partir del Simposio de Platón), para violín, cuerdas, arpa y percusión, de Leonard Bernstein (1918-1990) y la Sinfonía Nº 7 de Anton Bruckner (1824-1896).
La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires ha sido distinguida con el Premio a la Mejor orquesta sinfónica local de 2008, otorgado por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina, y obtuvo dos Premios Konex de Platino como la mejor orquesta argentina de las últimas dos décadas, en 1999 y en 2009.
El maestro mexicano Enrique Arturo Diemecke es director musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires desde diciembre de 2007. Este año cumplió 21 años como director artístico de la Orquesta Sinfónica de Flint, diez como director artístico de la Sinfónica de Long Beach y asumió como director artístico de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Colombia. Durante 17 años fue director artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de México y recibió la Medalla de Oro del Instituto Nacional de Bellas Artes de México por su trayectoria artística. Fue galardonado en 2010 con el Grand Prix de l'Académie du Disque Lyrique, Francia.
Leonard Bernstein compuso la Serenata (1954), para violín, cuerdas, arpa y percusión, inspirado en el Simposio de Platón, donde los invitados reflexionan sobre la naturaleza del amor, sobre su ambigüedad y trascendencia, y sobre la radical necesidad de su triunfo. Si bien no existe un enfoque programático, Bernstein captura la esencia emocional del argumento de cada orador y la dinámica de sus
amistades entrelazadas, obteniendo también un modelo para relacionar los cinco movimientos de la obra a través de un proceso de variación constante.
Nacido en 1973, el violinista Vadim Gluzman es elogiado por la crítica y el público como ejecutante de gran profundidad artística y brillante técnica. En los inicios de su carrera contó con el estímulo de Isaac Stern. Galardonado en prestigiosos concursos internacionales, como el Tibor Varga, en 1994 recibió el Henryk Szeryng Foundation Career Award. Ha actuado en todo el mundo como solista y en dúo con su esposa, la pianista Angela Yoffe. Toca con un Stradivarius de 1690 proporcionado por la Sociedad Stradivari de Chicago y que perteneció a Leopold Auer.
Anton Bruckner escribió sus sinfonías casi sin interrupción; de hecho, inició la Sinfonía Nº 7 en septiembre de 1881, a los pocos días de concluir la Sexta. Con el estreno realizado por el gran director Arthur Nikisch en 1884, Bruckner obtuvo recién a los 60 años el reconocimiento que tanto había anhelado. Lo notable de esta composición es la osadía que tiene en los cambios temáticos y tonales, producidos sobre una evidente estructura. Profundo admirador de Wagner, mientras componía el segundo movimiento se enteró de su muerte y, a manera de homenaje, agregó cuatro tubas wagnerianas.
Las localidades para el público en general se encuentran a la venta a en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 10.00 a 20.00 y los domingos de 10.00 a 17.00. O por Internet ingresando a www.teatrocolon.org.ar
Localidades desde $20.
domingo, 17 de julio de 2011
La columna de Noemí Carrizo
La columna de Noemí Carrizo
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Grietas que salvan
Hay golpes en la vida, tan fuertes… ¡Yo no sé! / Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos, / la resaca de todo lo sufrido / se empozara en el alma… ¡Yo no sé! / Son pocos; pero son… Abren zanjas oscuras / en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte. / Serán tal vez los potros de bárbaros Atilas; /
o los heraldos negros que nos manda la Muerte. / Son las caídas hondas de los Cristos del alma, / de alguna fe adorable que el Destino blasfema. / Esos golpes sangrientos son las crepitaciones / de algún pan que en la puerta del horno se nos quema. Y el hombre… pobre… ¡pobre! Vuelve los ojos, como /
cuando por sobre el hombro nos llama una palmada; vuelve los ojos locos, y todo lo vivido / se empoza, como charco de culpa, en la mirada. / Hay golpes en la vida, tan fuertes… Yo no sé!
El poema Los heraldos negros del peruano César Vallejo describe la inclemencia con que el azar puede sorprendernos. Su exacerbado grito de interrogación ante lo ignoto y oscuro de la rasgadura que nos parte en dos, recaba en la insignificancia del hombre, incapaz de explicarse la causa de un dolor, que muerde, lastima, enmudece, llaga. Ya Michel de Montaigne se hizo grabar una medalla con el lema Que sais-je? (¿Qué sé yo?) que, para algunos biógrafos, era la divisa de su casa. El eterno enigma ante el silencio divino. El mismo arcano que hizo volver la cara hacia el cielo, al existencialista Albert Camus, ante un niño muerto en un accidente de tránsito, para comentarle, luego, a sus amigos: ¿Vieron? No contesta.
Pero Jorge Luis Borges, ofrece su clave y nos descifra, en otro poema (Para una versión del I King), el signo que rescata de los hados implacables:
El porvenir es tan irrevocable / como el rígido ayer. No hay cosa / que no sea una letra silenciosa / de la eterna escritura indescifrable / cuyo libro es el tiempo. Quien se aleja / de su casa ya ha vuelto. Nuestra vida / es la senda futura y recorrida. / El rigor ha tejido la madeja. No te arredres. La ergástula es oscura, / la firme trama es de incesante hierro, / pero en algún recodo de tu encierro / puede haber una luz, una hendidura. / El camino es fatal como la flecha. /Pero en las grietas está Dios, que acecha.
La poesía de Borges, se refiere a lo fatal del destino humano, pero instala, a través de un intersticio, la cara de Dios, atisbando. Es por esa resquebrajadura, traducida casi siempre en sufrimiento, donde una fuerza intrínseca nos devuelve la esperanza. Y seguimos adelante…
En mi caso personal, miré a través de la rendija y divisé la mirada perenne e inexorable, siendo una nena azorada ante el descubrimiento de la soledad. Algunos amores y los hijos, mi oficio de entretejer palabras, frentes diáfanas, manos en mi hombro, un paisaje de montañas, el torrente sanguíneo en el torso de una Venus griega, una estrofa de Itaca de Constantino Kavafis (No temas a los lestrigones ni a los cíclopes / ni al colérico Poseidón, / seres tales jamás hallarás en tu camino, / si tu pensar es elevado, si selecta / es la emoción que toca tu espíritu y tu cuerpo), el mar en invierno, un frase ajena definiéndome, me aseguraron que la Armonía Universal, con su justicia poética, me avizora.
Hay nimiedades que me abren fisuras luminosas: peinar a una niña, tender la mesa cuando anochece, atender un llamado presentido, dar con el vocablo justo, hallar en mi correo alientos como brasas, toparme con un prójimo semejante, sentirme aceptada, recibir un abrazo, sospechar que me aman, cantar un arrorró, preparar un bocado, lavar los platos con esmero, planchar una camisa como si rozara una espalda, decir “te necesito”, sentirse anhelada. Nimiedades.
“La felicidad”, afirmaba Cicerón, “no está en los placeres, ni en las diversiones, ni en la alegría; se encuentra, a pesar de la tristeza, en la firmeza y la constancia.”
El albur que castiga, también premia, si se está dispuesto a ponerse de pie, ¡una vez más!, recordando que una roca puede transformarse en estatua y una sola caricia salvar, no sólo al que muere, también al que mata, aunque sea inadvertidamente
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Grietas que salvan
Hay golpes en la vida, tan fuertes… ¡Yo no sé! / Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos, / la resaca de todo lo sufrido / se empozara en el alma… ¡Yo no sé! / Son pocos; pero son… Abren zanjas oscuras / en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte. / Serán tal vez los potros de bárbaros Atilas; /
o los heraldos negros que nos manda la Muerte. / Son las caídas hondas de los Cristos del alma, / de alguna fe adorable que el Destino blasfema. / Esos golpes sangrientos son las crepitaciones / de algún pan que en la puerta del horno se nos quema. Y el hombre… pobre… ¡pobre! Vuelve los ojos, como /
cuando por sobre el hombro nos llama una palmada; vuelve los ojos locos, y todo lo vivido / se empoza, como charco de culpa, en la mirada. / Hay golpes en la vida, tan fuertes… Yo no sé!
El poema Los heraldos negros del peruano César Vallejo describe la inclemencia con que el azar puede sorprendernos. Su exacerbado grito de interrogación ante lo ignoto y oscuro de la rasgadura que nos parte en dos, recaba en la insignificancia del hombre, incapaz de explicarse la causa de un dolor, que muerde, lastima, enmudece, llaga. Ya Michel de Montaigne se hizo grabar una medalla con el lema Que sais-je? (¿Qué sé yo?) que, para algunos biógrafos, era la divisa de su casa. El eterno enigma ante el silencio divino. El mismo arcano que hizo volver la cara hacia el cielo, al existencialista Albert Camus, ante un niño muerto en un accidente de tránsito, para comentarle, luego, a sus amigos: ¿Vieron? No contesta.
Pero Jorge Luis Borges, ofrece su clave y nos descifra, en otro poema (Para una versión del I King), el signo que rescata de los hados implacables:
El porvenir es tan irrevocable / como el rígido ayer. No hay cosa / que no sea una letra silenciosa / de la eterna escritura indescifrable / cuyo libro es el tiempo. Quien se aleja / de su casa ya ha vuelto. Nuestra vida / es la senda futura y recorrida. / El rigor ha tejido la madeja. No te arredres. La ergástula es oscura, / la firme trama es de incesante hierro, / pero en algún recodo de tu encierro / puede haber una luz, una hendidura. / El camino es fatal como la flecha. /Pero en las grietas está Dios, que acecha.
La poesía de Borges, se refiere a lo fatal del destino humano, pero instala, a través de un intersticio, la cara de Dios, atisbando. Es por esa resquebrajadura, traducida casi siempre en sufrimiento, donde una fuerza intrínseca nos devuelve la esperanza. Y seguimos adelante…
En mi caso personal, miré a través de la rendija y divisé la mirada perenne e inexorable, siendo una nena azorada ante el descubrimiento de la soledad. Algunos amores y los hijos, mi oficio de entretejer palabras, frentes diáfanas, manos en mi hombro, un paisaje de montañas, el torrente sanguíneo en el torso de una Venus griega, una estrofa de Itaca de Constantino Kavafis (No temas a los lestrigones ni a los cíclopes / ni al colérico Poseidón, / seres tales jamás hallarás en tu camino, / si tu pensar es elevado, si selecta / es la emoción que toca tu espíritu y tu cuerpo), el mar en invierno, un frase ajena definiéndome, me aseguraron que la Armonía Universal, con su justicia poética, me avizora.
Hay nimiedades que me abren fisuras luminosas: peinar a una niña, tender la mesa cuando anochece, atender un llamado presentido, dar con el vocablo justo, hallar en mi correo alientos como brasas, toparme con un prójimo semejante, sentirme aceptada, recibir un abrazo, sospechar que me aman, cantar un arrorró, preparar un bocado, lavar los platos con esmero, planchar una camisa como si rozara una espalda, decir “te necesito”, sentirse anhelada. Nimiedades.
“La felicidad”, afirmaba Cicerón, “no está en los placeres, ni en las diversiones, ni en la alegría; se encuentra, a pesar de la tristeza, en la firmeza y la constancia.”
El albur que castiga, también premia, si se está dispuesto a ponerse de pie, ¡una vez más!, recordando que una roca puede transformarse en estatua y una sola caricia salvar, no sólo al que muere, también al que mata, aunque sea inadvertidamente
viernes, 15 de julio de 2011
Cuadernos del Espectáculo Nro. 19
Cuadernos del Espectáculo Nro. 19
Edición Vacaciones de Invierno
Por Carlos Abeijón.
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Siempre es un gusto volver al Molière Teatro-Concert para disfrutar de un espectáculo distinto. En esta oportunidad, la espaciosa sala del barrio de San Telmo ofrece una insólita propuesta de Walter Soares, VOLVER A LA VIDA CON KABALA. Se trata de un desinhibido show de transformismo(onda grindhouse, el lado B, oscuro, del género vernáculo) que se aparta totalmente de las propuestas de otros grupos similares -Caviar, la primera etapa de Botton Tap- y se acerca, con su apelación al grotesco, de fuerte raigambre popular a los delirantes devaneos de la desaparecida compañía Strass. Soares conduce con total convicción y desparpajo a un grupo mixto de cantantes y bailarines, que se lanzan, con mucho entusiasmo a divertir a los espectadores. El hacedor del curioso evento se protege del horror al vacío y del fantasma de la muerte(el mismo relata una vida de calamidades y su energía espiritual para seguir adelante, fortalecido por su trabajo)con un asfixiante vestuario barroco, un humor sardónico y una estética berreta de neto corte arrabalero. Para gays fuertemente resistidos en los suburbios, con cierto aire canalla, y para pulverizar la mirada inquisidora de más de un straight perdido en la noche.
En treinta y tres viñetas, plenas de nostalgia y ternura, el sensible teatrista y escritor Kado Kostzer (TRIO, FAMILIA DE ARTISTAS, entre otras recordadas obras)repasa prolijamente su vida de creador trahumante y evoca su encuentro con notables figuras del cine, el teatro y la literatura. Su prosa es amena y atrapa desde la primera línea. Hay anécdotas increíbles de la vida íntima de Manuel Puig, el maravilloso autor de BOQUITAS PINTADAS, LA TRAICION DE RITA HAYWORTH y THE BUENOS AIRES AFFAIRE, encuentros glamorosos con Martha Hyer, Leslie Caron, Danielle Darrieux y la voluptuosa Tilda Thamar e imperdibles referencias a Astor Piazzolla, Isaac Bashevis Singer, Haroldo Conti, Iris Marga y Katy Jurado. En su atractivo recorrido, recala en el mítico Instituto Di Tella, en la recordada revista Primera Plana, en el teatro europeo, en el cine mexicano y en la escena porteña, donde siempre tiene algún proyecto a punto de poner en escena. Un libro insoslayable, de Ediciones Del Jilguero, para los que hicieron de las artes un alimento vital y para los que descubrieron en el cine, en especial, un refugio para potenciar la fantasía.
En Rivadavia y Rincón, se guardan más de cien años de historia porteña. En la mítica esquina, glorificada por el tango, se yergue en todo su esplendor el Café de los Angelitos (de magnífica restauración, algo que habría que hacer con la Confitería Ideal y la Confitería del Molino, para no tener que lamentar, en el futuro otras pérdidas, como la imperdonable demolición del Teatro Odeón) .Con el mismo buen gusto con que se puso a nuevo la Confitería Las Violetas, este espacio, que vale la pena visitar, ofrece una opípara cena gourmet, regada por los mejores vinos, y un deslumbrante espectáculo que es un orgullo para la ciudad y sorprende a los turistas, por su profesionalismo y refinamiento A diferencias de otros shows for export, en reductos similares, este espacio brinda lo mejor en parejas de baile, cantantes y músicos, centrándose, por supuesto, en nuestra sensual danza, que apasiona al mundo. Lo que sorprende es el preciso diseño de luces de Marcelo Cuervo, las inspirada dirección coreográfica de Sandra Bootz y Gabriel Ortega, la delicadeza en el diseño de interior, imagen y vestuario de Gabriela Kovacs y la puesta a punto de la dirección y producción general de Antonio Ruiz. Un lugar único; caro, pero el mejor.
El invierno se vino con todo y los espectáculos infantiles abundan por doquier, tanto en cine como en teatro. En este último medio, las ofertas abundan no tanto por su calidad-aunque los más pequeños no sean espectadores exigentes y sólo busquen divertirse siempre hay que brindarles algo con cierto vuelo-sino por su presentación vistosa y levemente aleccionadora. Empecemos por lo mejor: BORGES PARA NIÑOS. EL LIBRO DE LOS SERES IMAGINARIOS, en el Teatro Presidente Alvear, una propuesta fresca, que fomenta la imaginación de la gente menuda y respeta su inteligencia, gracias a texto, personajes y la siempre precisa dirección de la inquieta Lía Jelín. También es muy disfrutable, para toda la familia, la flamante entrega de DISNEY ON ICE, como siempre deslumbrando con sus tiernas criaturas en el Luna Park. Hay mucho más para todos los gustos: Piñón Fijo no se rinde en el Coliseo, el impresentable Flavio Mendoza es la estrella de SERVIAN EL CIRCO, un poco más alejado del centro y con muchas ganas de copiar al Cirque du Soleil y no podía faltar a la cita la inclaudicable Flavia Palmiero con su eterna OLA VERDE, en el Maipo (¡sólo falta que resuciten Julieta Magaña y Pipo Pescador!) C´est la vie.
Los tanques de Hollywood siguen arrasando en la temporada invernal, como era de esperar. Ahora le toca el turno a HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2,octava película y fin de la saga de uno de los fenómenos literarios y cinematográficos en más de una década. Siempre con el crecidito y esforzado Daniel Radcliffe al frente del elenco, el cierre del ciclo, con dirección precisa de David Yates, no va a defraudar a sus seguidores. Aunque algo alargada y reiterativa, la historia es todo lo espectacular y dramática como para no dejar indiferente a nadie. Hay carga emocional, acción que no decae, cuidado estético y buen elenco de apoyo(se lucen Alan Rickman, Ralph Finnes y Maggie Smith). Acá se podría decir que la tecnología cinematográfica vale más que las palabras impresas de la escritora J.K.Rowling. Pero no todo es juguete digital, ya que también la flamante cartelera ofrece APRENDER A VIVIR, un equilibrado relato del debutante Derick Martini, ambientado en la década del 70, en los suburbios de Estados Unidos, donde un atribulado adolescente lucha por sobrevivir en una familia dislocada. Alec Baldwin, cada vez más "inflado", intenta ser convincente. Y si bien es digno de destacar que el cine argentino trabaje para los más chicos (hay más de doce películas en gestación) HERMANITOS DEL FIN DEL MUNDO, filmada en Ushuaia, no les aporta nada para tener en cuenta. Cerramos con lo mejor de la semana: TENGO ALGO QUE DECIRLES, un verdadero canto a la vida y un hondo respeto por la diversidad sexual debido al talento del director de origen turco, radicado en Italia, Ferzan Ozpetek (HAMAN, EL BAÑO TURCO, EL HADA IGNORANTE, LA VENTANA DE ENFRENTE). Abrevando en las fértiles fuentes de la commedia all`italiana, el director, en la senda de Monicelli o Scola, se interna en la vida de los Cantone, una familia de poderosos empresarios de la industria de pastas, en el sur italiano y vivisecciona los vínculos con humor, tono farsesco y mucha humanidad. Inolvidable la lúcida abuela encarnada por la maravillosa Illaria Occhini. Para ir corriendo al cine.
Edición Vacaciones de Invierno
Por Carlos Abeijón.
Exclusivo para Radio Capital del Sur
Siempre es un gusto volver al Molière Teatro-Concert para disfrutar de un espectáculo distinto. En esta oportunidad, la espaciosa sala del barrio de San Telmo ofrece una insólita propuesta de Walter Soares, VOLVER A LA VIDA CON KABALA. Se trata de un desinhibido show de transformismo(onda grindhouse, el lado B, oscuro, del género vernáculo) que se aparta totalmente de las propuestas de otros grupos similares -Caviar, la primera etapa de Botton Tap- y se acerca, con su apelación al grotesco, de fuerte raigambre popular a los delirantes devaneos de la desaparecida compañía Strass. Soares conduce con total convicción y desparpajo a un grupo mixto de cantantes y bailarines, que se lanzan, con mucho entusiasmo a divertir a los espectadores. El hacedor del curioso evento se protege del horror al vacío y del fantasma de la muerte(el mismo relata una vida de calamidades y su energía espiritual para seguir adelante, fortalecido por su trabajo)con un asfixiante vestuario barroco, un humor sardónico y una estética berreta de neto corte arrabalero. Para gays fuertemente resistidos en los suburbios, con cierto aire canalla, y para pulverizar la mirada inquisidora de más de un straight perdido en la noche.
En treinta y tres viñetas, plenas de nostalgia y ternura, el sensible teatrista y escritor Kado Kostzer (TRIO, FAMILIA DE ARTISTAS, entre otras recordadas obras)repasa prolijamente su vida de creador trahumante y evoca su encuentro con notables figuras del cine, el teatro y la literatura. Su prosa es amena y atrapa desde la primera línea. Hay anécdotas increíbles de la vida íntima de Manuel Puig, el maravilloso autor de BOQUITAS PINTADAS, LA TRAICION DE RITA HAYWORTH y THE BUENOS AIRES AFFAIRE, encuentros glamorosos con Martha Hyer, Leslie Caron, Danielle Darrieux y la voluptuosa Tilda Thamar e imperdibles referencias a Astor Piazzolla, Isaac Bashevis Singer, Haroldo Conti, Iris Marga y Katy Jurado. En su atractivo recorrido, recala en el mítico Instituto Di Tella, en la recordada revista Primera Plana, en el teatro europeo, en el cine mexicano y en la escena porteña, donde siempre tiene algún proyecto a punto de poner en escena. Un libro insoslayable, de Ediciones Del Jilguero, para los que hicieron de las artes un alimento vital y para los que descubrieron en el cine, en especial, un refugio para potenciar la fantasía.
En Rivadavia y Rincón, se guardan más de cien años de historia porteña. En la mítica esquina, glorificada por el tango, se yergue en todo su esplendor el Café de los Angelitos (de magnífica restauración, algo que habría que hacer con la Confitería Ideal y la Confitería del Molino, para no tener que lamentar, en el futuro otras pérdidas, como la imperdonable demolición del Teatro Odeón) .Con el mismo buen gusto con que se puso a nuevo la Confitería Las Violetas, este espacio, que vale la pena visitar, ofrece una opípara cena gourmet, regada por los mejores vinos, y un deslumbrante espectáculo que es un orgullo para la ciudad y sorprende a los turistas, por su profesionalismo y refinamiento A diferencias de otros shows for export, en reductos similares, este espacio brinda lo mejor en parejas de baile, cantantes y músicos, centrándose, por supuesto, en nuestra sensual danza, que apasiona al mundo. Lo que sorprende es el preciso diseño de luces de Marcelo Cuervo, las inspirada dirección coreográfica de Sandra Bootz y Gabriel Ortega, la delicadeza en el diseño de interior, imagen y vestuario de Gabriela Kovacs y la puesta a punto de la dirección y producción general de Antonio Ruiz. Un lugar único; caro, pero el mejor.
El invierno se vino con todo y los espectáculos infantiles abundan por doquier, tanto en cine como en teatro. En este último medio, las ofertas abundan no tanto por su calidad-aunque los más pequeños no sean espectadores exigentes y sólo busquen divertirse siempre hay que brindarles algo con cierto vuelo-sino por su presentación vistosa y levemente aleccionadora. Empecemos por lo mejor: BORGES PARA NIÑOS. EL LIBRO DE LOS SERES IMAGINARIOS, en el Teatro Presidente Alvear, una propuesta fresca, que fomenta la imaginación de la gente menuda y respeta su inteligencia, gracias a texto, personajes y la siempre precisa dirección de la inquieta Lía Jelín. También es muy disfrutable, para toda la familia, la flamante entrega de DISNEY ON ICE, como siempre deslumbrando con sus tiernas criaturas en el Luna Park. Hay mucho más para todos los gustos: Piñón Fijo no se rinde en el Coliseo, el impresentable Flavio Mendoza es la estrella de SERVIAN EL CIRCO, un poco más alejado del centro y con muchas ganas de copiar al Cirque du Soleil y no podía faltar a la cita la inclaudicable Flavia Palmiero con su eterna OLA VERDE, en el Maipo (¡sólo falta que resuciten Julieta Magaña y Pipo Pescador!) C´est la vie.
Los tanques de Hollywood siguen arrasando en la temporada invernal, como era de esperar. Ahora le toca el turno a HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2,octava película y fin de la saga de uno de los fenómenos literarios y cinematográficos en más de una década. Siempre con el crecidito y esforzado Daniel Radcliffe al frente del elenco, el cierre del ciclo, con dirección precisa de David Yates, no va a defraudar a sus seguidores. Aunque algo alargada y reiterativa, la historia es todo lo espectacular y dramática como para no dejar indiferente a nadie. Hay carga emocional, acción que no decae, cuidado estético y buen elenco de apoyo(se lucen Alan Rickman, Ralph Finnes y Maggie Smith). Acá se podría decir que la tecnología cinematográfica vale más que las palabras impresas de la escritora J.K.Rowling. Pero no todo es juguete digital, ya que también la flamante cartelera ofrece APRENDER A VIVIR, un equilibrado relato del debutante Derick Martini, ambientado en la década del 70, en los suburbios de Estados Unidos, donde un atribulado adolescente lucha por sobrevivir en una familia dislocada. Alec Baldwin, cada vez más "inflado", intenta ser convincente. Y si bien es digno de destacar que el cine argentino trabaje para los más chicos (hay más de doce películas en gestación) HERMANITOS DEL FIN DEL MUNDO, filmada en Ushuaia, no les aporta nada para tener en cuenta. Cerramos con lo mejor de la semana: TENGO ALGO QUE DECIRLES, un verdadero canto a la vida y un hondo respeto por la diversidad sexual debido al talento del director de origen turco, radicado en Italia, Ferzan Ozpetek (HAMAN, EL BAÑO TURCO, EL HADA IGNORANTE, LA VENTANA DE ENFRENTE). Abrevando en las fértiles fuentes de la commedia all`italiana, el director, en la senda de Monicelli o Scola, se interna en la vida de los Cantone, una familia de poderosos empresarios de la industria de pastas, en el sur italiano y vivisecciona los vínculos con humor, tono farsesco y mucha humanidad. Inolvidable la lúcida abuela encarnada por la maravillosa Illaria Occhini. Para ir corriendo al cine.
martes, 12 de julio de 2011
Psicoanálisis y Cine
El Viernes 15 a las 19.30 hs. se proyectará el film "El Sirviente" de Joseph Losey en el ciclo Psicoanálisis y Cine coordinado por Carlos Gustavo Motta en la Escuela de la Orientación Lacaniana, Callao 1033, 5to. piso. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La entrada es libre y gratuita.
Visita Guiada en el Teatro Colón
Continúan las visitas guiadas
Todos los días (inclusive los feriados), desde las 09:00 hasta las 15:45 (horario en el que sale el último grupo). Hay visitas cada 15 minutos. El valor del bono contribución es de $20 para argentinos y $60 para extranjeros. Para más información llamar al 4378-7127/8 o escribir a visitasguiadas@teatrocolon.org.ar.
Todos los días (inclusive los feriados), desde las 09:00 hasta las 15:45 (horario en el que sale el último grupo). Hay visitas cada 15 minutos. El valor del bono contribución es de $20 para argentinos y $60 para extranjeros. Para más información llamar al 4378-7127/8 o escribir a visitasguiadas@teatrocolon.org.ar.
jueves, 7 de julio de 2011
Cuaderno del Espectáculo / Ultima Edición
Cuadernos del Espectáculo Nro. 18
Por Carlos Abeijón
Exclusivo para Radio Capital del Sur
El regreso del director teatral Alejandro Ullúa al siempre bienvenido género del music hall no podría ser más auspicioso. Vale la pena ir los viernes, a las 20.30, al Moliére Teatro Concert para deleitarse con su bello homenaje a una artista emblemática, la inolvidable Judy Garland. En JUDY...este inquieto teatrista, sin apelar al transformismo ni a una biografía formal de la actriz y cantante, apela a la evocación de su voz intensa y conmovedora, siguiendo algunos de sus films y canciones más destacadas. El espectáculo brilla en todos los rubros (libro, música, coreografía, vestuario, elenco y dirección escénica) y alcanza mayor vuelo porque rompe la iconografía clásica trascendiendo el género sexual. Los jóvenes protagonistas, que cantan, bailan y actúan con un entusiasmo arrollador, son formidables y, aunque parezca injusto por los méritos generales, no podemos dejar de mencionar el maravilloso dúo que logran Pedro Frías y Juan José Marco en la encantadora versión de For me and may Gal. Doce únicas funciones...¡a no perdérselo!
Los amantes de la época dorada del cine argentino -a los cuales adhiero fervorosamente- estarán de parabienes. Acaba de publicarse, con el apoyo del INCAA, un bello libro con textos y fotos (casi todas maravillosas) del reconocido modista Horace Lannes. Se trata de MODA Y VESTUARIO EN EL CINE ARGENTINO, un vistoso recorrido por más de cincuenta años de creaciones para actrices y actores locales y extranjeras de paso por el país. Con todo el glamour que lo caracteriza y muy querido en el ambiente artístico, Lannes vistió a las más importantes figuras del cine argentino (Zully Moreno, Mirtha Legrand, Libertad Lamarque, Tita Merello, Mecha Ortiz, Susana Giménez, Graciela Borges, entre otras) a lo largo de 106 largometrajes. Su carrera cinematográfica comienza en 1952, en los estudios Sono Film, diseñando el vestuario para LA MUJER DE LAS CAMELIAS, uno de los mejores trabajos de la inolvidable Zully Moreno, una star en el verdadero sentido hollywoodense y sigue su estimable trayectoria, en cine, teatro y televisión, obteniendo más de treinta premios y distinciones nacionales e internacionales. Este atractivo trabajo completa otro anterior, LA MODA EN EL ESPECTACULO. Una buena manera de valoriza un rubro tan importante como la escenografía, la música, el argumento, las actuaciones y la dirección, para seguir disfrutando del séptimo arte.
La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina acaba de entregar los premios a lo mejor de la producción nativa, iberoamericana e internacional. Si bien el resto de los rubros galardonados estuvieron bastante bien elegidos ¿que vieron los periodistas especializados de la entidad (a la cual pertenezco y soy jurado) para destacar a la mediocre, especulativa y poco original CARANCHO, que parece un episodio alargado de Emergencias Medicas, como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Sonido y Mejor Edición? Lo peor del caso es que se descartaron a dos muestras notables de un cine que apuesta a algo distinto: EL HOMBRE DE AL LADO y LA MIRADA INVISIBLE. Si bien nuestro cine necesita afianzarse como industria para seguir creciendo, no se puede desconocer a creadores que se juegan con propuestas renovadoras ¡A ponerse las pilas, ellos y ellas!.
Más que una historia de amor imposible y un estudio de una personalidad atormentada, la obra PABLO Y OLINDA resulta un sentido homenaje a los comienzos del teatro nacional, que sienta sus bases en el circo y en el sainete. El texto, con autoría y dirección del sensible José María Paolantonio, deja con ganas de más al espectador ya que toma muy brevemente el convulsionado y fugaz matrimonio-de apenas quince días de duración-entre el desquiciado actor dramático Pablo Podestá (perteneciente a la mítica familia de nuestro espectáculo) y la talentosa actriz cómica Olinda Bozán. Con mucha acrobacia y destreza física de parte de los actores y una pobre escenografía, la pieza avanza con muchos desmayos y muestra su falta de clima de época. Para destacar, la gran entrega actoral de Miguel Avila, en el rol del atribulado artista. En el Teatro Andamio`90, sólo para nostálgicos y memoriosos.
Siempre es un gusto tener en la pantalla chica a un conductor tan dinámico y simpático como Nicolás Repetto, esta vez de regreso, después de más de diez años, con SABADO BUS, por la pantalla de Telefé (que sigue disparando con artillería pesada contra los avances del Trece, con los flamantes aportes de Guillermo Francella y Facundo Arana). El programa, mucho más aggiornado, tiene su fuerte en las entrevistas, la música, los bailes, el humor y los premios y se luce aún más con los aportes digitales de última generación. No hay nada demasiado novedoso, pero se disfruta por el profesionalismo, el cuidado en la producción, las figuras invitadas y el carisma intacto de Nico. Algo bueno dentro de la malaria general de la tele.
Dejando de lado su alta exposición mediática en el deplorable reality que es SHOWMATCH, el movedizo Anibal Pachano intenta demostrar, en SMAIL, que en el music-hall sigue pisando fuerte. Y, la verdad, que su repaso de algunos de los mejores cuadros de sus últimos años de carrera deja bastante que desear. Su flamante presentación luce sin una precisa estructura escénica,s igue con la mixtura caprichosa de músicas y estilos y "roba", sin piedad (como suele hacerlo Pepe Cibrián Campoy, que ya está pergeñando un nuevo engendro, EXCALIBUR ¡Dios nos libre!)fragmentos de musicales famosos. El director y puestista se mueve por el enorme escenario del Teatro Astral como un muñequito a cuerda y por suerte cuenta con un muy afiatado grupo de bailarines y cantantes que salvan la desprolija función. En medio de una pobre escenografía y un colorido vestuario, el espectáculo avanza caprichosamente con un coreografía previsible y llega al temido final con un monólogo insoportable de la figura principal. Para destacar, los homenajes a Sofía Bozán, Carmen Miranda, Don Pelele y Los Cinco Latinos y la desopilante parodia del repertorio kitsch de Valeria Lynch. También son dignas de destacar las intervenciones de Alejandro Lavallén, Maxi de la Cruz y Alejandra Perlusky, mientras Sofìa Pachano luce más segura que en otras oportunidades. Et pour finir...si Pachano no se regodeara con tanta desfachatez en la mariconería y en una estética gay, ya bastante demodé, podría crecer mucho más como artista.
Mientras tiritamos de frío, las vacaciones de invierno se vienen con todo y esta semana los cines siguen ofreciendo diversión para los más pequeños. Esta vez se trata de la muy disfrutable CARS 2, un atractivo entretenimiento para toda la familia, con los conocidos personajes de la historia de Pixar, digitalización para el asombro y escenas de acción trepidante. Por otra parte, los grandes que prefieran olvidarse de la inflación y de lo mal que está jugando la Selección Argentina no tiene más que alienarse con las vanas zafadurías de MALAS ENSEÑANZAS. Pero, a los que les gustan los documentales pueden elegir bien con MUNDIALITO y EL RETRATO POSTERGADO. Y dejamos para el final lo mejor de la semana: DE DIOSES Y HOMBRES, intenso y conmovedor drama del sólido director francés Xavier Beauvois, una historia de monjes trapenses, víctimas de la violencia, que se mantienen unidos, a pesar de todo gracias a una fe inquebrantable. Para la reflexión, algo que no abunda en estos tiempos de cólera, sin amor.
Por Carlos Abeijón
Exclusivo para Radio Capital del Sur
El regreso del director teatral Alejandro Ullúa al siempre bienvenido género del music hall no podría ser más auspicioso. Vale la pena ir los viernes, a las 20.30, al Moliére Teatro Concert para deleitarse con su bello homenaje a una artista emblemática, la inolvidable Judy Garland. En JUDY...este inquieto teatrista, sin apelar al transformismo ni a una biografía formal de la actriz y cantante, apela a la evocación de su voz intensa y conmovedora, siguiendo algunos de sus films y canciones más destacadas. El espectáculo brilla en todos los rubros (libro, música, coreografía, vestuario, elenco y dirección escénica) y alcanza mayor vuelo porque rompe la iconografía clásica trascendiendo el género sexual. Los jóvenes protagonistas, que cantan, bailan y actúan con un entusiasmo arrollador, son formidables y, aunque parezca injusto por los méritos generales, no podemos dejar de mencionar el maravilloso dúo que logran Pedro Frías y Juan José Marco en la encantadora versión de For me and may Gal. Doce únicas funciones...¡a no perdérselo!
Los amantes de la época dorada del cine argentino -a los cuales adhiero fervorosamente- estarán de parabienes. Acaba de publicarse, con el apoyo del INCAA, un bello libro con textos y fotos (casi todas maravillosas) del reconocido modista Horace Lannes. Se trata de MODA Y VESTUARIO EN EL CINE ARGENTINO, un vistoso recorrido por más de cincuenta años de creaciones para actrices y actores locales y extranjeras de paso por el país. Con todo el glamour que lo caracteriza y muy querido en el ambiente artístico, Lannes vistió a las más importantes figuras del cine argentino (Zully Moreno, Mirtha Legrand, Libertad Lamarque, Tita Merello, Mecha Ortiz, Susana Giménez, Graciela Borges, entre otras) a lo largo de 106 largometrajes. Su carrera cinematográfica comienza en 1952, en los estudios Sono Film, diseñando el vestuario para LA MUJER DE LAS CAMELIAS, uno de los mejores trabajos de la inolvidable Zully Moreno, una star en el verdadero sentido hollywoodense y sigue su estimable trayectoria, en cine, teatro y televisión, obteniendo más de treinta premios y distinciones nacionales e internacionales. Este atractivo trabajo completa otro anterior, LA MODA EN EL ESPECTACULO. Una buena manera de valoriza un rubro tan importante como la escenografía, la música, el argumento, las actuaciones y la dirección, para seguir disfrutando del séptimo arte.
La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina acaba de entregar los premios a lo mejor de la producción nativa, iberoamericana e internacional. Si bien el resto de los rubros galardonados estuvieron bastante bien elegidos ¿que vieron los periodistas especializados de la entidad (a la cual pertenezco y soy jurado) para destacar a la mediocre, especulativa y poco original CARANCHO, que parece un episodio alargado de Emergencias Medicas, como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Sonido y Mejor Edición? Lo peor del caso es que se descartaron a dos muestras notables de un cine que apuesta a algo distinto: EL HOMBRE DE AL LADO y LA MIRADA INVISIBLE. Si bien nuestro cine necesita afianzarse como industria para seguir creciendo, no se puede desconocer a creadores que se juegan con propuestas renovadoras ¡A ponerse las pilas, ellos y ellas!.
Más que una historia de amor imposible y un estudio de una personalidad atormentada, la obra PABLO Y OLINDA resulta un sentido homenaje a los comienzos del teatro nacional, que sienta sus bases en el circo y en el sainete. El texto, con autoría y dirección del sensible José María Paolantonio, deja con ganas de más al espectador ya que toma muy brevemente el convulsionado y fugaz matrimonio-de apenas quince días de duración-entre el desquiciado actor dramático Pablo Podestá (perteneciente a la mítica familia de nuestro espectáculo) y la talentosa actriz cómica Olinda Bozán. Con mucha acrobacia y destreza física de parte de los actores y una pobre escenografía, la pieza avanza con muchos desmayos y muestra su falta de clima de época. Para destacar, la gran entrega actoral de Miguel Avila, en el rol del atribulado artista. En el Teatro Andamio`90, sólo para nostálgicos y memoriosos.
Siempre es un gusto tener en la pantalla chica a un conductor tan dinámico y simpático como Nicolás Repetto, esta vez de regreso, después de más de diez años, con SABADO BUS, por la pantalla de Telefé (que sigue disparando con artillería pesada contra los avances del Trece, con los flamantes aportes de Guillermo Francella y Facundo Arana). El programa, mucho más aggiornado, tiene su fuerte en las entrevistas, la música, los bailes, el humor y los premios y se luce aún más con los aportes digitales de última generación. No hay nada demasiado novedoso, pero se disfruta por el profesionalismo, el cuidado en la producción, las figuras invitadas y el carisma intacto de Nico. Algo bueno dentro de la malaria general de la tele.
Dejando de lado su alta exposición mediática en el deplorable reality que es SHOWMATCH, el movedizo Anibal Pachano intenta demostrar, en SMAIL, que en el music-hall sigue pisando fuerte. Y, la verdad, que su repaso de algunos de los mejores cuadros de sus últimos años de carrera deja bastante que desear. Su flamante presentación luce sin una precisa estructura escénica,s igue con la mixtura caprichosa de músicas y estilos y "roba", sin piedad (como suele hacerlo Pepe Cibrián Campoy, que ya está pergeñando un nuevo engendro, EXCALIBUR ¡Dios nos libre!)fragmentos de musicales famosos. El director y puestista se mueve por el enorme escenario del Teatro Astral como un muñequito a cuerda y por suerte cuenta con un muy afiatado grupo de bailarines y cantantes que salvan la desprolija función. En medio de una pobre escenografía y un colorido vestuario, el espectáculo avanza caprichosamente con un coreografía previsible y llega al temido final con un monólogo insoportable de la figura principal. Para destacar, los homenajes a Sofía Bozán, Carmen Miranda, Don Pelele y Los Cinco Latinos y la desopilante parodia del repertorio kitsch de Valeria Lynch. También son dignas de destacar las intervenciones de Alejandro Lavallén, Maxi de la Cruz y Alejandra Perlusky, mientras Sofìa Pachano luce más segura que en otras oportunidades. Et pour finir...si Pachano no se regodeara con tanta desfachatez en la mariconería y en una estética gay, ya bastante demodé, podría crecer mucho más como artista.
Mientras tiritamos de frío, las vacaciones de invierno se vienen con todo y esta semana los cines siguen ofreciendo diversión para los más pequeños. Esta vez se trata de la muy disfrutable CARS 2, un atractivo entretenimiento para toda la familia, con los conocidos personajes de la historia de Pixar, digitalización para el asombro y escenas de acción trepidante. Por otra parte, los grandes que prefieran olvidarse de la inflación y de lo mal que está jugando la Selección Argentina no tiene más que alienarse con las vanas zafadurías de MALAS ENSEÑANZAS. Pero, a los que les gustan los documentales pueden elegir bien con MUNDIALITO y EL RETRATO POSTERGADO. Y dejamos para el final lo mejor de la semana: DE DIOSES Y HOMBRES, intenso y conmovedor drama del sólido director francés Xavier Beauvois, una historia de monjes trapenses, víctimas de la violencia, que se mantienen unidos, a pesar de todo gracias a una fe inquebrantable. Para la reflexión, algo que no abunda en estos tiempos de cólera, sin amor.
miércoles, 6 de julio de 2011
martes, 5 de julio de 2011
La columna de Noemí Carrizo. Exclusivo para Radio Capital del Sur
Sola en la multitud
Cerré la puerta y retiré la llave para que fuera más fácil forzarla desde afuera…por si me moría. Fue mi más punzante aguijón de soledad. Soy aún joven y sana; con afectos, tarea, proyectos, ideales. ¿Qué circunvalación de mi memoria emotiva me había derribado el ánimo? El celular con mi hija preguntándome cómo había llegado me despertó de semejante caída libre. Bien, bien, todo bien.
A la soledad la llaman “la peste del siglo”. Y no es precisamente, la elegida, sino la que acomete cuando menos se la espera, como supongo ocurrirá con un huracán o un terremoto, sólo que uno sigue de pie, impertérrito, esperando que cese y vuelva la normalidad. Vuelve. Esta soledad contemporánea no se parece a la del desierto que buscaban los orantes para dialogar con lo sustancial y rozar lo insospechable. Se parece a una estación de subte donde miles de personas por hora transitan sin mirarse y penetran en vagones atestados para abrazarse con extraños en tormentos de un minuto y medio y un descanso; también a un hogar con un televisor en cada cuarto enfocando distintos canales mientras se cena en bandejas individuales. Se asemeja, si insistimos, a un solo televisor frente a una mesa con toda la familia reunida para comer. Sólo en los avisos y en voz alta, se pueden intercambiar comentarios breves, siempre que el pulgar no se esté ocupando de los mensajes del celular o no haya que controlar las novedades del facebook. ¡Mirá quién me escribió! Exclamación que no espera ni tiene respuesta.
No es la soledad del creador, poblada de personajes y objetos, de colores y recuerdos, de sensaciones y desvelos, de sueños y paisajes, de voces y olores, de pérdidas y recuperaciones…no. Más bien es la soledad de la computadora que “acompaña”, sin rostro o con rostro impalpable, el intercambio de personalidades que se inventan y reinventan, salvo excepciones, según el gusto del interlocutor.
Es la soledad de otro cine que se cierra por falta de espectadores. Es la soledad del apuro, del “más rápido, por favor”, del “yo te escucho mientras chateo, ¿dale?”, de las palabras que se van diluyendo hasta empobrecer y dejar lánguido, sin gracia, alicaído y mustio, al más rico de los idiomas latinos.
Es el escándalo de las malas noticias que entierran a mineros “sin salvación” mientras los mismos mineros sobreviven compartiendo cavidades más hondas y personales que las de la misma e impiadosa montaña.
Es aceptar que se vuelva popular lo intolerable y hasta festejarlo con una sonrisa. Es no denunciar a tiempo, no luchar por los derechos, no tener ni siquiera la fe de un solo y pequeñito Padrenuestro.
Es sospechar que el adolescente morocho que lleva la visera de adelante para atrás es un delincuente, pero aceptar que los rubios bien vestidos descartarán la violencia, en esa discriminación tan humana y miserable que suele acometernos, ¡tan a nuestro pesar!.
Es dejar que los chicos que van creciendo salgan a la madrugada y ¿qué puede hacerles un poco de cerveza? Y si se los encierra, igual se van… ¿a dónde se van? Es la soledad del sí y el no que se volatilizó en un todo vale total, redondo y sin límites…por supuesto.
Es la soledad del MP3 que autoriza a mantener la mirada lejana y desentenderse de los que caen, tropiezan, ruegan, murmuran, piden apoyo, se inclinan…
La soledad del saludo que se diluyó entre vecinos y no existe en minifalderas recepcionistas mascando chicles mientras terminan su charla telefónica personal, entre risitas chabacanas, antes de atendernos. Es la vendedora, ¿estará siempre mal paga?, que no tiene ganas de ayudarnos en la elección de un regalo y arroja prendas sobre el mostrador haciendo tamborilear los dedos mientras elegimos con su implícito “prontito, prontito…” ¿Habrá, en realidad, alguien ansioso, en esperarla?
Es la soledad del contestador automático y del identificador de llamadas para atender sólo a los interesantes, los demás, ¿será posible?, ¡justo ahora!, ¿qué querrá?
Es también los autores clásicos que ya no se editan y las carreras humanísticas con poco alumnado y el magisterio, ese sacerdocio abatido por los tiempos, al que cada vez se suscribe menos gente. Es la muchedumbre sin perfil. Caminando sin buscarse. Adelantándose sin metas. Empujando sin premuras.
Al menos, cuento con dos amigos solos que también retiran sus llaves de la cerradura, olvidando, como yo, que hay copias en las casas de los hijos y en la del encargado.
También suele despertarlos del estupor algún allegado, para desearles las buenas noches y renovarles la esperanza en un mundo mejor.
Noemí Carrizo
Cerré la puerta y retiré la llave para que fuera más fácil forzarla desde afuera…por si me moría. Fue mi más punzante aguijón de soledad. Soy aún joven y sana; con afectos, tarea, proyectos, ideales. ¿Qué circunvalación de mi memoria emotiva me había derribado el ánimo? El celular con mi hija preguntándome cómo había llegado me despertó de semejante caída libre. Bien, bien, todo bien.
A la soledad la llaman “la peste del siglo”. Y no es precisamente, la elegida, sino la que acomete cuando menos se la espera, como supongo ocurrirá con un huracán o un terremoto, sólo que uno sigue de pie, impertérrito, esperando que cese y vuelva la normalidad. Vuelve. Esta soledad contemporánea no se parece a la del desierto que buscaban los orantes para dialogar con lo sustancial y rozar lo insospechable. Se parece a una estación de subte donde miles de personas por hora transitan sin mirarse y penetran en vagones atestados para abrazarse con extraños en tormentos de un minuto y medio y un descanso; también a un hogar con un televisor en cada cuarto enfocando distintos canales mientras se cena en bandejas individuales. Se asemeja, si insistimos, a un solo televisor frente a una mesa con toda la familia reunida para comer. Sólo en los avisos y en voz alta, se pueden intercambiar comentarios breves, siempre que el pulgar no se esté ocupando de los mensajes del celular o no haya que controlar las novedades del facebook. ¡Mirá quién me escribió! Exclamación que no espera ni tiene respuesta.
No es la soledad del creador, poblada de personajes y objetos, de colores y recuerdos, de sensaciones y desvelos, de sueños y paisajes, de voces y olores, de pérdidas y recuperaciones…no. Más bien es la soledad de la computadora que “acompaña”, sin rostro o con rostro impalpable, el intercambio de personalidades que se inventan y reinventan, salvo excepciones, según el gusto del interlocutor.
Es la soledad de otro cine que se cierra por falta de espectadores. Es la soledad del apuro, del “más rápido, por favor”, del “yo te escucho mientras chateo, ¿dale?”, de las palabras que se van diluyendo hasta empobrecer y dejar lánguido, sin gracia, alicaído y mustio, al más rico de los idiomas latinos.
Es el escándalo de las malas noticias que entierran a mineros “sin salvación” mientras los mismos mineros sobreviven compartiendo cavidades más hondas y personales que las de la misma e impiadosa montaña.
Es aceptar que se vuelva popular lo intolerable y hasta festejarlo con una sonrisa. Es no denunciar a tiempo, no luchar por los derechos, no tener ni siquiera la fe de un solo y pequeñito Padrenuestro.
Es sospechar que el adolescente morocho que lleva la visera de adelante para atrás es un delincuente, pero aceptar que los rubios bien vestidos descartarán la violencia, en esa discriminación tan humana y miserable que suele acometernos, ¡tan a nuestro pesar!.
Es dejar que los chicos que van creciendo salgan a la madrugada y ¿qué puede hacerles un poco de cerveza? Y si se los encierra, igual se van… ¿a dónde se van? Es la soledad del sí y el no que se volatilizó en un todo vale total, redondo y sin límites…por supuesto.
Es la soledad del MP3 que autoriza a mantener la mirada lejana y desentenderse de los que caen, tropiezan, ruegan, murmuran, piden apoyo, se inclinan…
La soledad del saludo que se diluyó entre vecinos y no existe en minifalderas recepcionistas mascando chicles mientras terminan su charla telefónica personal, entre risitas chabacanas, antes de atendernos. Es la vendedora, ¿estará siempre mal paga?, que no tiene ganas de ayudarnos en la elección de un regalo y arroja prendas sobre el mostrador haciendo tamborilear los dedos mientras elegimos con su implícito “prontito, prontito…” ¿Habrá, en realidad, alguien ansioso, en esperarla?
Es la soledad del contestador automático y del identificador de llamadas para atender sólo a los interesantes, los demás, ¿será posible?, ¡justo ahora!, ¿qué querrá?
Es también los autores clásicos que ya no se editan y las carreras humanísticas con poco alumnado y el magisterio, ese sacerdocio abatido por los tiempos, al que cada vez se suscribe menos gente. Es la muchedumbre sin perfil. Caminando sin buscarse. Adelantándose sin metas. Empujando sin premuras.
Al menos, cuento con dos amigos solos que también retiran sus llaves de la cerradura, olvidando, como yo, que hay copias en las casas de los hijos y en la del encargado.
También suele despertarlos del estupor algún allegado, para desearles las buenas noches y renovarles la esperanza en un mundo mejor.
Noemí Carrizo
Beneficio Exclusivo de Radio Capital del Sur
SUMÁ PUNTOS!!!!
Por cada comentario que hagas en relación a la radio, comenzarás a sumar puntos. Cuando llegues a 1000 puntos podés comenzar a canjear premios. Los puntos son acumulables y no se vencen!!!
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domingo, 3 de julio de 2011
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Clases de Squash
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Clases personalizadas con Daniel Mendoza.
Llamalo al 15-3796-2213
La primera clase es sin cargo
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La primera clase es sin cargo
viernes, 1 de julio de 2011
Concurso de Fotografía Sanyo
Concurso fotográfico SANYO Arte Espacio 2011: "INSTANTES"
Con el objetivo de apoyar las nuevas manifestaciones fotográficas; SANYO, junto a ARTE ESPACIO almacén de arte, presentan la primera edición del concurso fotográfico INSTANTES - de toma directa.
Tomas fotográficas que captan un instante irrepetible y reflejan el sentir de quienes toman la fotografía como un acto reflejo para captar aquello que llama su atención.
Dirigido a todas las personas mayores de 18 años residentes en la República Argentina.
Metodología:
Se seleccionarán seis(6) finalistas que recibirán una "Mención Especial". El Jurado deberá adjudicar entre los seis(6) finalistas un "Primer Premio Adquisición", la suma de Pesos Cuatro Mil ($4.000) y una cámara digital Sanyo. Un segundo Ganador recibirá como Premio adquisición la suma de Pesos tres Mil ($3.000) y una cámara digital Sanyo.
Recepción de obras:
Hasta el 4 de Agosto 2011.
Con el objetivo de apoyar las nuevas manifestaciones fotográficas; SANYO, junto a ARTE ESPACIO almacén de arte, presentan la primera edición del concurso fotográfico INSTANTES - de toma directa.
Tomas fotográficas que captan un instante irrepetible y reflejan el sentir de quienes toman la fotografía como un acto reflejo para captar aquello que llama su atención.
Dirigido a todas las personas mayores de 18 años residentes en la República Argentina.
Metodología:
Se seleccionarán seis(6) finalistas que recibirán una "Mención Especial". El Jurado deberá adjudicar entre los seis(6) finalistas un "Primer Premio Adquisición", la suma de Pesos Cuatro Mil ($4.000) y una cámara digital Sanyo. Un segundo Ganador recibirá como Premio adquisición la suma de Pesos tres Mil ($3.000) y una cámara digital Sanyo.
Recepción de obras:
Hasta el 4 de Agosto 2011.
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